No Bairro do Vinil

Johhny Rodrigues - Mariquinha

2012-02-21T13:01:00.000-08:00

O artista que recuperámos recentemente do vácuo do desconhecido gozou de grande popularidade além fronteiras, embora o mesmo nunca tenha chegado a possuir verdadeiramente nacionalidade portuguesa, pese embora tenha nascido sobre a égide do colonialismo português em África, mais concretamente em Cabo Verde em 1951, então território integrante de Portugal Ultramarino.
Com recurso à wikipédia holandesa (e com a imprescindível ajuda de um tradutor) descobrimos a figura de Johhny, ou um mais que provável João Rodrigues, que após ter sido chamado pelo exército português para cumprir o serviço militar em Angola (de onde seria enviado para um verdadeiro cenário de guerra) fugiu para os Estados Unidos da América no inicio da década de 70 do século XX, sem que nessa altura tivesse tentado ainda qualquer investida na vida artística.
Na verdade, a incursão de Johhny Rodrigues pela vida artística, só viria a verificar-se, por mero acaso (como quase sempre), quando este se encontrava de férias na Holanda, país onde recebeu convite para gravar um disco, após ter trabalho como DJ em bares e discotecas. Aí, socorrendo-se das influências do nosso folclore, Johhny Rodrigues, apresenta-se em palco como "Johhny & Orquestra Rodrigues" (embora cantasse a solo!), gravando em 1975 a canção "Hey Mal Yo", que mais não é do que uma versão do popular tema do nosso cancioneiro "Ó malhão, malhão", tendo o seu single de estreia, com o mesmo nome, sido imediatamente n.º 1 nos Países Baixos e na Bélgica, permanecendo no topo daqueles países durante doze semanas.

Sendo um dos poucos cantores africanos a cantar folclore português, pouco tempo depois, grava o single "Mariquinha", o qual viria mais tarde a ser editado em Portugal pela Valentim de Carvalho, sob licença da EMI, um disco dividido musicalmente em dois momentos bem distintos: um lado A, no qual apela, mais uma vez, ao folclore português e um lado B, bem mais alegre, que transporta os ouvintes para bem junto das suas raízes africanas, através do tema "Tente".
Desconhecemos se "Mariquinha" teve algum sucesso no estrangeiro, embora tudo nos leva a crer que sim, atendendo ao facto de o disco ter sido lançado imediatamente a seguir ao seu single de estreia. Paradoxalmente, o percurso de Johhny Rodrigues foi tão efémero quanto tão rápida foi a sua ascensão aos charts internacionais e o seu desaparecimento do mundo do espectáculo, sendo o seu paradeiro actual para nós mais um mistério por desvendar.

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Alberto Ramos - Beijinho Doce

2012-02-07T12:02:00.000-08:00

Abordamos hoje um cançonetista que gozou de alguma popularidade em finais da década de 1950 e nos inícios da década de 60 e cujo percurso musical, à semelhança de outros tantos cançonetistas do seu tempo, se terá eclipsado de forma abrupta ainda durante a década de 60. A particularidade de Alberto Ramos é que, ao contrário da maioria dos outros cançonetistas, que ingressaram nos quadros da Emissora Nacional de forma espontânea (isto é, apresentando-se a provas perante um exigente júri) começou a cantar acidentalmente, quando se encontrava a cumprir o serviço militar no Funchal (onde nasceu, em 1930). Por mera coincidência, o comandante da sua companhia era o director da E.N. de S. Martinho (Funchal) que reparou que Alberto Ramos tinha boa voz, tendo-o de imediato convidado para cantar aos microfones da estação, ainda que na altura sem qualquer carácter profissional.

Desde esse momento até à gravação dos seus primeiros discos, tudo ocorreu num verdadeiro ápice para Alberto Ramos que acabaria por ficar livre do serviço militar ao fim de 3 meses, tendo rumado imediatamente para Lisboa, altura em que conheceu o radialista Igrejas Caeiro que, depois de uma audição logo o contratou, tendo iniciado a sua carreira como cançonetista no programa de Rádio Companheiros de Alegria. No dia 16.02.1958, estreou-se aos microfones da RTP, participando no programa "O senhor que se segue", tendo sido precisamente, aquando da sua primeira aparição na TV, que Jaime Filipe (engenheiro de som da RTP) lhe propôs a gravação de um contrato de 3 anos para a editora Alvorada.

No que diz respeito à discografia de Alberto Ramos podemos adiantar, com um elevado grau de probabilidade, que terá sido toda gravada para a etiqueta Alvorada, tendo-se estendido até 1962, num total de quatro Ep's em nome próprio (ou seja, mais um do que os propostos em 1958 por Jaime Filipe), ao que acresce ainda um outro repartido com a cançonetista Margarida Amaral, em homenagem ao Clube de Futebol os Belenenses.

Da sua discografia, destacamos do seu primeiro disco gravado em 1959, a canção "Beijinho Doce", com acompanhamento do Conjunto de Hélder Reis, cujos autores da letra e música desconhecemos, pelo facto de o label do disco não conter qualquer informação relativamente a essa canção (ao contrário das restantes 3 músicas que compõem o disco, cuja informação e créditos autoriais se encontra identificada). No entanto, por gostarmos tanto da capa do seu primeiro disco, não poderíamos deixar de escolher esta canção para apresentar Alberto Ramos às novas gerações.

Alberto Ramos, em 1961

Como já referimos no primeiro parágrafo desta mensagem, posteriormente à gravação do seu último disco, nada mais sabemos do percurso de Alberto Ramos, ainda que sobre nós tenham pairado recentes rumores, recolhidos junto de anteriores antigos vizinhos, que terá abandonado a vida de cançonetista para ser empresário no ramo das artes e do espectáculo. Ou teria voltado a ser comerciante, profissão que exerceu paralelamente até alcançar o sucesso, vendendo bordados da Madeira a bordo de navios em alto mar ? Não sabemos, pelo que apelamos a quem nos possa elucidar a sempre bem vinda colaboração.

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Francisco Stoffel - Canto para não chorar

2011-12-10T11:16:00.000-08:00

Apesar de o fado não ser o nosso género musical de eleição, não poderíamos ficar indiferentes ao heróico acontecimento de o mesmo ter sido considerado há poucos dias atrás como Património Imaterial da Humanidade. É sem dúvida algo que deve encher de orgulho todos os portugueses, sejam eles ou não apreciadores de fado. De facto, se para os estrangeiros o fado simboliza apenas um género musical (ou erradamente a nossa “folk music”), a verdade é que para nós simboliza muito mais do que isso; o fado é algo verdadeiramente nosso, intrínseco e confundível com a própria alma portuguesa e que tem sobrevivido ao longo de séculos às grandes mudanças sociais e políticas que ocorreram na pátria lusitana.
Também nós, que fomos criados bem perto das margens do Mondego, e que ao longo dos últimos anos nos temos dedicado à pesquisa da música popular portuguesa, fomos aprendendo a apreciar o som da outra guitarra portuguesa e a deixarmo-nos seduzir muitas vezes pelas belas vozes que do fado emanam.
Queremos também deixar de lado, enquanto apreciadores do fado de Coimbra, a polémica (para aqui não chamada) da exclusão do Fado de Coimbra da candidatura do Fado a património imaterial da Humanidade. Por isso, dedicaremos a mensagem de hoje a um jovem fadista de Lisboa que, infelizmente, nunca passou de uma mera esperança e cuja saudosa voz muito apreciamos. Para tal, deixaremos nos parágrafos seguintes um pouco do que conhecemos sobre Francisco Stoffel e das gravações das 4 canções que compõem o seu único legado.

Há cerca de 45 anos atrás, em Dezembro de 1967, num dos salões do Hotel Tivoli decorreu um beberete oferecido pela editora de discos catalã Belter. Tratava-se do arranque em Portugal de uma das duas editoras espanholas que na época apostaram na gravação de artistas portugueses (a outra, era a madrilena Marfer). O referido cocktail serviu, portanto, para apresentar os primeiros discos lançados em Portugal de artistas portugueses dessa editora, tendo reunido em tal convívio António Calvário (até então o “rei da rádio”), Luis Guilherme, Alberto Ribeiro e Shegundo Galarza, que foram, juntamente com Francisco Stoffel, os primeiros artistas a gravar para a Belter e cujos discos iriam ser colocados à venda em toda a Espanha, Argentina, Angola, Moçambique, para além de Portugal (então metrópole).
No dia da apresentação dos artistas e dos discos aos órgãos de informação, para além da habitual sessão de autógrafos, foram oferecidas pastas com os discos gravados pelos 4 cançonetistas nacionais (Luís Guilherme, Calvário, Alberto Ribeiro e Francisco Stoffel). No entanto, dos quatro cançonetistas apenas três estiveram presentes, pois Francisco Stoffel falecera dias antes vítima de uma doença que os médicos na altura não conseguiram identificar.
Francisco Stoffel, nascido no Estoril, há provavelmente 66 anos, tinha apenas 22 anos quando faleceu, dias antes da apresentação do seu disco à comunicação social.
Stoffel, era, segundo o que apuramos na imprensa da época, a grande descoberta da Belter e a maior promessa de fado castiço para os tempos futuros, tendo chegado a actuar em programas da Rádio Televisão Portuguesa, embora não tenha chegado a conhecer os grandes palcos. As causas da sua morte nunca foram confirmadas, ainda que de acordo com um comentário que encontramos "postado" na internet (sempre sujeito a confirmação) poderá ter falecido vítima de uma forte insolação e das complicações posteriores. Stoffel, com uma voz única para um jovem de 22 anos, deixou-nos apenas 4 sentidos fados, sendo um deles, um fado bem conhecido, popularizado mais tarde por Carlos do Carmo, com o título de “Por morrer uma andorinha”, com música de Francisco Viana e letra de Frederico de Brito.

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José Carvalhal - Recado ao Governo

2011-06-14T06:20:00.000-07:00

Numa altura em que a intervenção de forças externas em Portugal é já uma realidade, através da denominada Troika (onde se insere o F.M.I.), são muitos aqueles que desesperam sem saber ao certo o que fazer para tentar travar uma crise que é já de dimensão europeia. Enquanto tal acontece, resta-nos o contentamento em saber que conservamos ainda a nossa independência, aparentemente garantida pela eleição de um novo Governo após o último sufrágio a que fomos submetidos. Seja qual for o destino da nossa governação, são já muitos os apelos ao sentido de responsabilidade de todos os responsáveis pela Nação em favor do bem comum, que se multiplicam de hora a hora, sejam eles efectuados de uma forma mais racional ou de uma forma mais desesperada.

Transpondo estas considerações (de índole quase utópica) para o panorama musical, aproveitamos para relembrar que os mesmos apelos que hoje são feitos através da blogosfera (ou através de manifestações espontâneas de gerações à rasca) são em tudo idênticos aos que surgiram de forma livre no imediato pós 25 de Abril, através da proliferação de dezenas de artistas provenientes de todos estilos musicais (desde os cantautores até ao próprio fado) que, de uma forma ou de outra, faziam ingerências e apelos muito directos à Governação.

Tal sucedeu, por exemplo em 1978, quando um desconhecido José Carvalhal gravou para a Editora Rapsódia (inserido numa série de EP's de cantares ao desafio e cânticos populares) o tema "Apelo ao Governo" que, bem vistas as coisas, permanece ainda bastante actual. Aliás, a importância destes discos, ao qual pouca gente atribui real valor, torna-se ainda mais evidente na época em que nos encontramos. De facto, versos expressivos como "Temos um país vencido por causa da politica / isso a mim me consome por ver tanta miséria / tendes os bolsos cheios e os pobres cheios de fome" transportam os ouvintes mais pessimistas para uma preocupante realidade que poderá estar mesmo aqui ao virar da esquina.

Pelo menos até 1984 (?) José Carvalhal, gravou mais de meia dúzia de discos, uns com uma vertente mais popular e outro com um carácter mais político, como é por exemplo o sugestivo disco gravado também em 1978 para a mesma editora com o título de capa "Com tretas não se governa". Podíamos estar enganados e pensar que José Carvalhal seria apenas um cantor de outros tempos e que estes discos de tempos idos que teimosamente continuamos a resgatar de destinos incertos, não voltavam a soar nos nossos giradiscos. No entanto, para espanto nosso, conseguimos apurar que ainda hoje José Carvalhal mantêm o estatuto de popular tocador de concertina e "cantador" ao desafio na freguesia distante da Ermida, no concelho de Ponte da Barca, aldeia quase deserta mas que teimosamente continua a sobreviver à desertificação total.

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Pancho & Kamel – Pedra Filosofal

2011-06-06T14:23:00.001-07:00

Quando pensamos que a imaginação se encontra esgotada e que já não podemos surpreender ninguém com a descoberta de mais uma versão de uma canção conhecida, eis que nos chega às mãos uma inesperada e original interpretação do conhecido poema de António Gedeão “Pedra Filosofal”, imortalizado sob a forma de canção por Manuel Freire.
Já vários artistas portugueses gravaram esta canção, não fosse ela reconhecida por todos os quadrantes musicais como uma das mais belas canções alguma vez criadas por intérpretes portugueses. No entanto, desta feita socorremo-nos de um estranho e desconhecido duo denominado Pancho & Kamel, dois artistas dos quais nenhuma referência artística ou biográfica dispomos, de forma que será somente através da escassa informação presente no disco que nos atrevemos a afirmar que tal dupla seria constituída certamente por estrangeiros que se encontravam a residir em Portugal e que tiveram a oportunidade de gravar este trabalho no nosso país para a etiqueta Riso & Ritmo, em data não anterior a 1970.

Uma outra hipótese seria tratar-se de um duo de cantores portugueses, cantando em castelhano, sob pseudónimo. Contudo, o facto de as restantes canções integrantes deste disco serem igualmente cantadas em espanhol e escritas por autores espanhóis, nomeadamente o famoso Concerto de Aranjuez, leva-nos a duvidar fortemente de tal tese em favor da primeira hipótese, de resto bem mais realista.

Em termos de registo musical, estamos perante um registo bastante simples, respeitando a linha da versão original, embora neste caso, a voz e a guitarra seguem acompanhadas do muito pouco usual santur, um instrumento milenar de origem persa, que ocupa um lugar de destaque neste tema, cabendo-lhe o registo da melodia da canção, passando a voz a ocupar um lugar declamativo.
Não podemos ficar igualmente indiferentes ao timbre exótico e sonoridade planante que o santur nos emana ao longo da interpretação de “Pedra Filosofal” que, juntamente com o facto de estarmos perante uma versão em castelhano, nos oferece uma interessante visão do poema de Gedeão, confirmando a dimensão universalista que só as grandes obras conseguem alcançar.

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Pancho & Kamel

RREP0089

1) Peace Meditation (Pancho & Kamel)
2) Pedra Filosofal (Antóneo Gedeão)
3) Improviso Persa (Pancho & Kamel)
4) Concerto de Aranjuez (Joaquin Rodrigo)

O 25 de Abril de 1974 - Conjunto Típico Francisco de Sousa

2011-04-25T16:28:00.000-07:00

Quem pense que por estarmos a celebrar mais um aniversário do 25 de Abril de 1974, teríamos que escolher forçosamente uma canção de um cantautor/baladeiro dos anos 70 (preferencialmente ex-exilado em França) para ilustramos musicalmente este dia está muito enganado. Isto porque a canção de protesto, tal como nós a gostamos de dividir, teve duas fases bem distintas (quanto a nós, de interesse quase idêntico): a canção de intervenção pré-25 de Abril e a canção de protesto no imediato pós 25 de Abril, resultante da proliferação de mensagens políticas em tudo o quanto era canção, quase todas elas associadas (senão mesmo ao serviço) de partidos de esquerda.

Desse modo, estilos musicais tradicionalmente associados ao sectarismo do Estado Novo, como o fado e a música popular (nomeadamente através dos conjuntos típicos) passaram também eles a cantar os valores da liberdade e da democracia que o 25 de Abril de 1974 apregoou para Portugal. Artur Gonçalves (fado humorístico), Conjunto Típico Esperança (conjuntos típicos) e Januário Trindade (fado) são alguns dos exemplos associados a essa vertente da música de intervenção pós 25 de Abril a qual, em bom rigor, só se dizimaria com o surgimento em massa dos grupos de rock português e dos bailes de liceu, que depressa substituíram o protagonismo radiofónico dos cantores de Abril.

Para ilustrar esse fenómeno escolhemos a canção "O 25 de Abril de 1974" composta por Francisco de Sousa para o seu Conjunto Típico, tendo como solista Fernando Pereira. Trata-se, com efeito, de um disco que contém todas as características presentes nos discos de conjuntos típicos lançados com mensagem política a seguir ao 25 de Abril. Concretizando: na sua maioria eram lançados em formato E.P. (com quatro canções) sendo que dessas quatro composições, geralmente apenas uma tinha um conteúdo político, quase sempre o tema que dava título à capa do disco. As restantes canções continuavam a seguir, na linha "típica" de tais conjuntos a sátira aos desgostos de amor, as temáticas religiosas e, sobretudo, a apologia das tradições das diversas regiões do nosso país, através dos seus bailes e romarias. Nada mais correcta, a nosso ver, tal orientação, não fosse a opção por um caminho radicalmente inverso desvirtuar por completo o papel que os conjuntos típicos sempre tiveram na sociedade e costumes.

Nesta canção e da análise da sua letra resulta a curiosidade que a mesma terá sido escrita apenas dois meses após a Revolução dos Cravos, embora o disco apenas tenha sido lançado para o mercado em 1975. No entanto, a letra manteve-se inalterada, sem qualquer referência ao período conturbado que se viveu em Portugal imediatamente a seguir à Revolução. Dessa forma, a canção "O 25 de Abril de 1974", acaba por ser um testemunho politicamente apartidário, gravada num registo naturalmente alegre, como é costume no género musical sobre o qual nos debruçamos.

Acresce ainda, para finalizarmos, uma referência à sugestiva capa do disco, com um cravo estampado sobre um fundo vermelho, com um sugestivo título de Abril de 1974.

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Alfredo Santos - Rock Saloio

2011-04-19T16:21:00.000-07:00

A partir dos anos 70, com o advento do pop rock português (embora este ainda não estivesse massificado), muitos dos nossos cantores populares (fossem os mais ou os menos conhecidos) de uma forma ou de outra acabaram por aventurar-se por esses então estranhos domínios. Desse modo, ora sob a forma de sátira (como é o caso dos conjuntos típicos relativamente ao Yé Yé) ou através de misturas de estilo popular com rock, foram lançados muitos discos de folclore, fado, etc, com canções tematicamente associadas às novas sonoridades anglo-saxónicas. Sem fazer um grande esforço de memória, lembramo-nos da série de discos PopFado de vários artistas, da canção “Fadista Yé Yé” ou até do extraordinário disco de Hermínia Silva com o Quarteto 1111 "A Hermínia Canta Yé Yé", entre outros discos que ilustram, por um lado, o antagonismo entre os diversos estilos musicais da época e, por outro lado, a tentativa de convergência entre os mesmos.

Para ilustrar esse fenómeno, apresentamos Alfredo Santos, o desconhecido artista que recuperamos hoje do esquecimento, com a canção Rock Saloio, editado pela etiqueta Roda sob a direcção musical de Shegundo Galarza, na qual canta de uma forma quase que perfeita a contraposição entre as festas dos arraiais e as chulas, substituídas pelo som do Yé Yé e pelo Rock, transpondo para o imaginário do ouvinte um baile popular ao som das novas modas, com a constante alusão ao rock saloio, termo tão correctamente utilizado na letra desta canção, na medida em que os saloios do outeiro despidos do seu típico barrete e colete adaptam as suas danças ao sons do rock sem contudo deixar de lado as suas raízes, ao ponto de o cantor chegar mesmo a dizer que esta nova dança "até parece a chula".

Visto de outro prisma, Rock Saloio ilustra também uma realidade de um Portugal pouco permeável às novas tendências sociais e culturais vindas do estrangeiro, especialmente nas zonas mais ruralizadas onde pouco ou quase nada chegava e quando chegava, o choque entre estas era evidente - “No outeiro já se baila a moda e só se dança o rock / pé ligeiro / pulam as Marias e os Maneis ad hoc / o vira virou já se acabou e tudo mudou lá fora / o rock saloio está na moda agora”.

De Alfredo Santos pouca ou nenhuma informação conhecemos para além da existência de mais um E.P. gravado para a mesma editora, ficando nós, como sempre, à espera que os nossos leitores (e ouvintes) desvendem um pouco mais dos misteriosos artistas que teimamos em apresentar.

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Alfredo Santos
Roda EP 1278
A) Anda daí Catraia/ Chegou o correio
B) Quero confessar-te/ Rock Saloio

Trio Barroco + Tyree Glenn Jr. & Van Dixon - Summer

2011-03-25T07:09:00.000-07:00

Tendo como principal mentor Pedro Osório, o Trio Barroco foi formado em 1968 juntamente com André Vilas Boas e Jean Sarbib, este último antigo companheiro de Pedro Osório no Quinteto Académico (um dos pioneiros grupos do rock português). Com um percurso éfemero no panorama musical português, o Trio Barroco na sua curta existência gravou apenas três E.P.s, com influências soul, jazz, funk e naturalmente o rock, ao qual de uma ou outra forma, todos os membros da banda estavam familiarizados.

Neste disco, destacam-se as participações dos músicos americanos Tyree Glenn Jr. (saxofone-flauta) e Van Dixon (trompete) que também assinam vocalmente três dos quatro temas presentes neste E.P. com particular destaque para a vivaz versão do famoso tema de Sam Cooke “Hold on I'm coming”.

No entanto, a particularidade maior deste disco é a excelente versão em inglês da canção vencedora do Festival da Canção de 1968 “Verão”, interpretada por Carlos Mendes e que, neste disco a eleva a uma versão digna de registo internacional.

Teria o Trio Barroco pretensões de se internacionalizar?... Tudo neste trabalho nos parece indicar nesse sentido - o uso da língua inglesa, a escolha dos temas, os músicos convidados, etc… No entanto, sobre essa possibilidade e pelo que dispomos, apenas podemos conjecturar. O que podemos sim afirmar é que, sem dúvida, esta era uma banda de grande qualidade musical e que tinha condições para se impor no mercado discográfico (pelo menos, no nacional) como uma alternativa ao “main-stream” povoado pelas bandas de Yé Yé.

Dada a conjuntura musical da época, o projecto Trio Barroco, acabou naturalmente por ter uma curta existência, deixando, contudo, um interessante legado na música nos finais da década de sessenta.

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José Fernandes - O Poeta Cavador do Mucifal

2011-03-17T06:35:00.000-07:00

Não podemos ficar indiferentes ao disco que recentemente nos chegou às mãos, não fossemos nós da mesma terra que o assim conhecido na literatura portuguesa como o "Poeta Cavador". Aliás, ainda nos lembramos de um dos nossos livros da Escola fazer referência aos seus versos e de uma fotografia sua, a preto e branco, tirada certamente no final do século XIX, na qual podemos apreciar a figura de um homem simples, da lavoura, com pouco à vontade para ser fotografado. Falamos de Manuel Alves, o Poeta Cavador, que nasceu em Vale de Boi, freguesia da Moita em Anadia, tendo sido um poeta repentista e analfabeto, sendo que o seu nome apenas ficou para a história pelo facto de Tomás da Fonseca ter um dia compilado os seus versos e simultaneamente lhe atribuído o cognome de Poeta Cavador. Manuel Alves, apesar de analfabeto, foi também um boémio da noite coimbrã, cantando fado, chegando mesmo a privar com o célebre fadista Hilário. Infelizmente, faleceu em 1901, pouco antes da gravação do primeiro registo sonoro em Portugal (pois descobertas recentes atribuem a 1902 a primeira gravação alguma vez registada) e, obviamente, não chegou a gravar qualquer canção. Percurso inverso teve outro Poeta Cavador, não de Anadia mas sim do Mucifal (aldeia do concelho de Sintra) que em 1984, depois de mais de cinco décadas a escrever versos e canções, gravou o seu primeiro disco, acompanhado pelo Conjunto da União Mucifalense. Falamos agora de José Fernandes Badajoz, que interpretava os seus poemas e as sua música, animando festas de beneficência, Carnavais, embora sempre com um carácter não profissional, uma vez que a carreira de artista sempre lhe passou ao lado, apesar de algumas propostas nesse sentido terem sido feitas. Ao contrário de Manuel Alves, José Fernandes não seria analfabeto, pois ele próprio guardou durante anos os escritos que mais tarde serviriam de base à gravação dos 12 temas que constituiem o L.P. que hoje apresentamos. Efectivamente, o disco é preenchido com canções escritas entre 1934 e 1983, tematicamente nada surpreendentes face ao cognome que partilhava com Manuel Alves. Na verdade, as letras estão na sua grande maioria relacionadas com a Natureza, fazendo uma apologia ao orgulho da terra e das colheitas e à peculiar sabedoria que muitas vezes só as gentes do campo possuem devido precisamente a essa forte ligação entre a terra e a Mãe Natureza. Versos como "A minha casinha tem/ Uma vista confortável/ Dela tudo vejo bem/ Respirando um ar saudável" ou "Do campo é que vem/ o pão que todos comemos/ Do pão é que vem/ O vinho que nós bebemos/ E mesmo p'ra quem/ só p'la cidade suspira/ No campo é que tem/ ar puro que se respira", ilustram bem a realidade que José Fernandes quis realçar, quando aos 63 anos, gravou este disco. Gravado quase 100 anos depois de o outro Poeta Cavador ter cantado os seus fados em Coimbra, José Fernandes recorreu a um estilo musical bem diferente para dar forma aos seus versos, num registo bem mais popular, alegre, em clara homenagem à sua terra e às suas raízes, escondendo palavras de esperança e de exaltação aos trabalhadores do campo, segundo ele muitas vezes injustamente considerados rudes e mal-educados. Provavelmente terá sido este o único disco de José Fernandes, de edição de Autor, com sucesso diminuto em Portugal mas com largo reconhecimento na aldeia do Mucifal, onde o seu nome já é nome de Rua. Da nossa parte, deixamos aos ouvintes um excerto do disco deste Poeta Cavador, aliás, Poeta Cantador.

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Henrique Cordeiro e Ariovalda Maria

2010-10-15T05:48:00.000-07:00

A comunidade portuguesa radicada nos Estados Unidos da América, nomeadamente a açoriana radicada na California, é bem maior do que aquela que porventura possamos imaginar. Sendo assim, é natural que nessas comunidades surjam muitas vezes músicos portugueses com registos musicais naturalmente virados para a comunidade lusa radicada no estrangeiro. Nada mais óbvio. Não surpreende também que muitos desses músicos conservem bem vivas as raízes musicais da terra-mãe, cantando temas intimamente ligados ao que de mais português há em nós. Um dos temas mais simbólicos do nosso universo musical, é a conhecida “Júlia Florista” com letra de Joaquim Pimentel e música de André Vilar, um fado cantado por dezenas de ilustres intérpretes da nossa canção. Outro dos temas mais conhecidos da música popular portuguesa, é a canção do folclore açoriano “Olhos Negros”, também ela gravada de forma recorrente pelos mais diversos artistas, sendo actualmente conhecida a versão de Teresa Salgueiro.
Os intérpretes desses conhecidos temas, cujo nome apresentamos hoje, são também eles cantores radicados nos Estados Unidos, provenientes dos Açores, cujo nome em Portugal é totalmente desconhecido da quase totalidade dos portugueses. Falamos de dois irmãos : Henrique Cordeiro e de Ariovalda Maria, aqui acompanhados pelo “famoso” Conjunto Ibérico (conforme descrição da capa – uma vez que na contracapa a informação é inexistente), num E.P. gravado pela etiqueta Vance Records.

Sobre esse duo pouco conhecemos, para além do facto de serem ambos cantores açorianos com raízes discográficas que já remontam, pelo menos, ao ano de 1955, quando os dois pertenciam ao grupo Artistas Unidos. Henrique Cordeiro tem diversos registos musicais gravados, quase todos editados nos Estados Unidos, o mesmo sucedendo com Ariovalda Maria. Relativamente ao disco que apresentamos hoje aos nossos ouvintes, segundo informações de um dos membros da formação da altura do denominado Conjunto Ibérico, o mesmo foi gravado em princípios de 1968, numa única sessão de gravação, num dia em que chovia torrencialmente (facto que acrescenta a titulo de curiosidade). Já nessa altura o Conjunto Ibérico sofrera alterações na sua formação, sendo que dois dos seus membros originais se tinham afastado e formado um outro conjunto. Desta forma, conforme nos esclarece, João Cardadeiro, os membros que participaram na gravação deste disco foram: Belmiro Silva, saxofone e director do conjunto, João Cardadeiro* na guitarra electrica, Francisco Rosa na viola-baixo e Manuel Ildeberto "Burt" Gonçalves na bateria.
Os dois músicos que se ausentaram do grupo antes da gravação deste E.P. foram foram Aniceto Batista (entretanto falecido) e José Elmiro Nunes, agora radicado em Lisboa, tendo este último originalmente acompanhando Carlos do Carmo, sendo ainda hoje em dia acompanhante de muitos outros fadistas da nova vaga, entre os quais Ana Moura.
Para além da falta de informação constante no disco, que nos encarregámos de desvendar, há ainda que registar como ponto de interesse, o recurso a um saxofone neste tipo de formação musical como instrumento solista no tema Júlia Florista, com naturais influências americanas. Do mesmo, tal como também no tema Olhos Negros, há ainda o recurso a uma guitarra eléctrica, que se destaca, mais uma vez em completo arrepio com a instrumentalização base dos conjuntos típicos portugueses.

* A quem agradecemos, não só a oferta do disco, como também todas informações relativas à gravação destes temas.

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ZÉ DA VESGA (ZÉ DO POVO)

2010-10-10T12:17:00.000-07:00

Nos meses imediatamente a seguir ao 25 de Abril de 1974, Portugal assistiu a uma proliferação quase desmedida de música de intervenção, fosse ela transvestida sob o modo de canção política ou fosse uma mera continuação do canto de intervenção do pré 25 de Abril. Desse modo, assistiu-se sobretudo a uma utilização do fado (outrora canção conotada com o Regime) como instrumento de divulgação da critica social e política, facto que, por si só, demonstra a grande viragem ocorrida na escolha da temática e das palavras utilizadas na música portuguesa até aos nossos dias. No entanto, não só através do fado se veiculavam as novas palavras do pós 25 de Abril. A esse género associaram-se outros também (injustamente) associados ao Regime, como a música ligeira e a própria musica popular.

Como consequência do grande fluxo emigração ocorrido na década de 60, muitos artistas portugueses fizeram a sua carreira no estrangeiro, não tendo tido muito contacto com a realidade social portuguesa, senão através de noticias partilhadas à distância. No entanto, tal facto não era necessariamente sinónimo de que tais artistas (ou pelo menos parte deles) se encontravam desatentos ao que se passava no país, principalmente no pós 25 de Abril. Ora, um desses artistas que viveu muitos anos no Canada - segundo informações não confirmados já se encontra radicado em Ovar – é José Ferreira Soares, mais “conhecido” por Zé do Povo, Zé da Vesga ou "João Mora Cá" que em pleno verão quente de 1975, lança um E.P., gravado no Canada pela etiqueta Precision Record, num estilo (muito) satírico e bem humorado, através do qual apresenta a sua visão sobre a instabilidade política que se fazia sentir em Portugal, que em pouco de mais de um ano de liberdade, já tinha conhecido seis governos diferentes.

Trata-se de um registo musical manifestamente virado para o sentimento generalizado do povo, o qual ainda se encontrava desconfiado dos ideais de liberdade e de igualdade proclamados pelos generais da revolução, que demoraram a impor-se na sociedade portuguesa. Zé da Vesga, autor e compositor de textos literários e musicais, com posteriores passagens pelo fado, utiliza neste disco, um registo de música baile bem animado, perfeitamente coadunado com o seu irónico registo vocal, constatando situações que, de certa forma, ainda se mantêm actuais. Sobre o seu percurso musical pouco conhecemos, sabendo, no entanto, da existência de um LP e de um outro E.P. denominado “Disquinhos do Zé do Povo”,com os temas “Cravos de 25 d´abril / O grande camaleão / A grande caserna / O punhal e a Rússia”, provavelmente também da mesma editora.
Zé da Vesga, apresenta-se acompanhado pelo, para nós desconhecido Conjunto Capas Negras, conforme se pode ver na capa do E.P. Para finalizarmos, permitam-nos chamar ainda a atenção para a interessante componente caricatural presente na capa, que por si só já transmite para os ouvintes todo o sentimento das músicas constantes deste disco.

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Maria Mendes - Coimbra - Avril au Portugal

2010-07-24T11:37:00.000-07:00

Quando, há mais de sete décadas, a dupla Raúl Ferrão e José Galhardo escreveu a canção “Coimbra”, certamente jamais imaginaria que a mesma se iria tornar numa das mais conhecidas canções portuguesas em todo o mundo (senão a mais conhecida), tendo sido tal canção a fonte de ínumeras versões, principalmente instrumentais. Sob o título de “Coimbra”, “April in Portugal” ou “Avril au Portugal”, foram dezenas os artistas que, de uma forma ou outra, incluíram uma versão desta canção num disco seu. Entre as dezenas de exemplos possíveis, temos desde logo Louis Armstrong que popularizou a canção à escala mundial, com o título de "April in Portugal" (e nova letra) passando por Bing Crosby e mais recentemente por Caetano Veloso, sem esquecer Amália Rodrigues, também ela cantora internacionalmente conhecida.
Pese embora tenha sido escrita em finais dos anos trinta, tal canção foi sendo sucessivamente rejeitada pelo público como canção de teatro de revista, circuito no qual Raúl Ferrão se inseria enquanto encenador e produtor. Somente em 1947 é que "Coimbra" teria algum reconhecimento, embora reduzido, quando a mesma foi utilizada enquanto canção serenata no filme Capas Negras de Armando Miranda. Contudo, o verdadeiro qui pro cuo, no que diz respeito à popularidade desta canção só aconteceria já na década de 50, quando Amália Rodrigues, mercê do grande sucesso internacional então conseguido, começou a incluir “Coimbra” no seu repertório, principalmente quando cantava no estrangeiro.
Mais do que a beleza dos locais que esta canção invoca, “Coimbra” ou “April in Portugal”, encerra em si também uma melodia de rara beleza, com uma estrutura harmónica só ao alcance das mais belas melodias de sempre. Curiosamente, são de Raúl Ferrão (música) e José Galhardo (letrista) a autoria de algumas das mais belas e populares canções portuguesas, como é o caso de “Lisboa Antiga” ou “Lisboa não sejas francesa”, também elas versionadas por artistas internacionais.
Das dezenas de versões desta canção são de destacar, para além das diversas versões orquestrais instrumentais, também versões em ritmos de salsa, mambo, acordeão, carrilhão, jazz, entre outros estilos.
Não certamente tão recorrente é a versão disco de “Coimbra”, numa mescla de português/francês que apresentamos hoje aos nossos leitores. A intérprete é Maria Mendes neste single de 1978 gravado para a etiqueta francesa Togo Saga Music. De destacar, que o lado B do disco é composto pelo tema “Girassol” com letra da própria artista, sendo que os arranjos de ambas as músicas ficaram a cargo de Gilbert Grilli. Não sendo propriamente um estilo musical que acompanhemos de perto, não podemos deixar de ficar indiferentes aos excelentes arranjos, nomeadamente a secção de metais que enriquece em muito esta interessante versão de "Coimbra".

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O MUNDO EM FÁTIMA

2010-05-13T16:42:00.000-07:00

Enquanto hoje se celebra com alguma euforia (e exagerada cobertura mediática) a vinda do Papa Bento XVI ao Santuário de Fátima, cabe-nos recuar 43 anos no tempo e ir de encontro ao que por cá se passava em Fátima precisamente neste dia. A 13 de Maio de 1967, decorria em Fátima as comemorações do Cinquentenário das Aparições.

Ao contrário do que sucedeu em 1982, por altura do jubileu, em que a visita de João Paulo II foi vista com naturalidade e aceitação por parte de todas as altas patentes do Estado Português, o mesmo já não se poderá dizer em relação à visita de Paulo VI em 1967. Com efeito, a assombrar a visita papal estavam duas questões que foram decisivas para o Vaticano despolitizasse a visita do Papa a Portugal: em primeiro lugar a guerra colonial que Portugal, orgulhosamente só, insistia manter, ao arrepio do que se passava nos outros países europeus; e em segundo lugar, o facto de um ano antes, Salazar ter censurado a visita do Papa à Índia, que, como se sabe, iniciara o princípio do fim do império colonialista português, com a anexação de Goa, Damão e Diu. Por essas (e outras razões) a visita do Papa a Portugal foi tudo menos pacífica,tendo sido desencadeada, uma das mais fortes operações de segurança já alguma vez vistas em Portugal.
Devido ao clima de tensão criado, o Peregrino da Paz, como era apelidado Paulo VI, não se deslocou a Lisboa, tendo aterrado na base de Monte Real e seguido directamente para a Cova da Iria, local das celebrações. Talvez somente suplantado pelas últimas visitas a Fátima de João Paulo II, a celebração da Eucaristia pelo Papa Paulo VI concentrou a 13 de Maio de 1967 a maior aglomeração de fieis jamais reunida em Fátima.

Para além dos fieis e peregrinos, em Fátima, estiveram igualmente reunidos 7 cardeais (responsáveis pela Oração aos Fiéis), meia centena de Arcebispos e Bispos, membros do Corpo Diplomático e variadíssimas colectividades religiosas, nacionais e estrangeiras. Curiosamente, apesar da aparente resistência, as mais altas figuras do nossa da Nação, estiveram presentes em massa, embora a título meramente particular. Por essa razão, Paulo VI não foi considerado visita de Estado, nem hospedado a expensas do Estado por não ser seu convidado, tendo sido antes hóspede do Bispo de Leiria.

Da homilia de Paulo VI, destaca-se o facto de ter vindo a Portugal rezar pela Paz no Mundo (numa clara alusão à guerra colonial), proferindo-se célebres (e sábias) palavras “Homens, sede homens, sede bons, sede cordatos, abri-vos à consideração do bem total do mundo... Recomeçai a aproximar-vos uns dos outros com a intenção de construir um mundo novo”. Paulo VI rezou a missa, tendo a Oração dos Fieis sido recitada em 8 línguas diferentes, num apelo aos governantes para que o fizessem, com justiça e com verdade (hoje, 43 anos depois, é mais actual do que nunca esse apelo). De todos esses momentos, o momento mais marcante terá sido, sem dúvida, a homilia de Paulo VI que, mesmo num português por vezes mal soletrado mas perfeitamente inteligível, consegue apelar de uma forma particularmente emotiva à paz no mundo, não o fazendo somente através de palavras de circunstância facto que, como é evidente, só poderá assumir contornos de manifesta sinceridade.
Parte dos registos desse dia, ficaram registados em disco, num LP de edição cuidada da Editora Alvorada, em estilo gatefold (capa de abrir), facto raro para a época, devido ao custo elevado de impressão dos discos. Todo o disco é um documento histórico, desde o aspecto artístico e gráfico, passando pela reportagem fotográfica contida no seu interior, até ao registo aúdio propriamente dito. De facto, quem adquirir este disco poderá escutar os momentos correspondentes à entrada do Papa no Santuário, os cânticos arrepiantes em uníssono de um milhão e meio de fieis, a Oração dos Fiéis, a Bênção dos Doentes que se encontravam no Santuário e parte (pensamos nós – ou a totalidade ?) da homilia papal.
Para os leitores interessados, deixamos um largo excerto de tal documento histórico.

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SAGA - HOMO SAPIENS

2010-05-09T16:06:00.000-07:00

A banda Saga, apesar de ter sido uma das mais originais bandas portuguesas dos anos 70, teve um percurso bastante efémero, tendo gravado apenas um disco, com o título de “Homo Sapiens”. Devido a esse carácter efémero o nome da banda é hoje praticamente desconhecido dos portugueses, facto para o qual contribuiu o estilo menos comercial que a banda adoptou, de acordo com a nova vaga de rock que paulatinamente se começava a instalar um pouco por todo o mundo.
Liderada por João Luis Tinoco, os Saga lançam com “Homo Sapiens” um dos discos mais aclamados pela crítica nesse ano, com temática centrada em torno da criação do Mundo e da sua quase destruição pela Segunda Guerra mundial, com especial destaque para o lançamento das primeiras bombas atómicas. Trata-se de mais um álbum de rock progressivo sinfónico, numa vertente bastante experimental à imagem de muitos registos musicais dos anos 70, com temas ora cantados ora narrados, transformando este conjunto de canções num trabalho literário e musical muito forte, como se de um autêntico cenário auditivo se tratasse. Os temas “Invasão” e "Hiroshima" são disso um exemplo, roçando a fronteira do teatro musical acompanhado por excelentes instrumentalizações plenas de dramatismo.
Apesar da contemporaneidade que se quis retratar com aquele trabalho musical, para além das letras escritas por João Luis Tinoco, foram adaptados muitos poemas de poetas da portugueses da Alta Idade Média, como é o caso de Nicolau Tolentino e Sá de Miranda, que se uniram ao dramatismo deste trabalho musical corporizado no seu expoente máximo através dos poemas declamados por Sinde Filipe.
Apesar de estarmos perante um dos mais importantes discos já alguma vez gravados, não existe ainda por parte de qualquer editora portuguesa, a sua reedição em cd. Este disco foi reeditado apenas por uma editora coreana em 2001, sendo hoje um dos discos de vinil portugueses mais procurados no mundo inteiro. O facto de as editoras estrangeiras aproveitarem o que de melhor se faz em Portugal, impedindo assim o esquecimento geral de bons trabalhos musicais, já começa a ser recorrente, tendo aliás ocorrido com imensas bandas portuguesas da década de 70. Para os que não conhecem este trabalho, deixamos aqui um excerto do disco.

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O Primeiro de Maio

2010-05-01T12:08:00.000-07:00

Em Maio de 1974, celebrou-se pela primeira vez em Portugal após longos anos de interregno, o Primeiro de Maio, cinco dias após a Revolução dos Cravos, num clima de verdadeira tensão, onde eram esperados alguns confrontos e reacções provindas de sectores não familiarizados com as novas ideias que rapidamente emergiam após a recente revolução de Abril. No entanto, contrariamente ao esperado, as celebrações do dia 1 de Maio em Portugal, acabaram por ser pacíficas, transformando-se numa verdadeira manifestação espontânea e numa festa da união popular e dos trabalhadores portugueses.
O mote “O povo unido jamais será vencido” foi repetido vezes sem conta por milhares de manifestantes no conjunto global de manifestações que se deram um pouco por todo o país. Associada a este evento, a Emissora Nacional transmitiu durante mais de 6 horas de emissão uma reportagem contínua sobre o evento através dos seus emissores regionais, da Madeira e dos Açores e ainda através do Rádio Clube de Moçambique e da Emissora Oficial de Angola. Ainda sobre a égide do Movimento das Forças Armadas, a manifestação do 1.º de Maio de 1974, foi uma das primeiras manifestações da liberdade de expressão em Portugal após o 25 de Abril de 1974. Conforme se refere no pequeno texto escrito na capa gatefold do disco vinil que regista para a posterioridade esse momento, aquele dia tratou-se, sem dúvida, de “uma jornada de luta por uma vida melhor” de todos os trabalhadores portugueses, os quais, de acordo com a legislação em vigor à época, lutavam por direitos que embora hoje sejam constitucionalmente reconhecidos como fundamentais, na altura nem sequer existiam e que, certamente, começaram a materializar-se nas manifestações de massas do 1.º de Maio.
Aos microfones da Emissora Nacional, falaram várias personalidades, trabalhadores, ex-presos políticos e até ex-músicos exilados (como é o caso de Luís Cília, cuja voz também é possível ouvir neste disco), num relato radiofónico impressionante, sobretudo para as gerações mais novas, as quais poderão , através deste registo, fazer um esforço imaginativo de memória, recuando atrás no tempo e tendo a percepção da realidade portuguesa nos dias que imediatamente se seguiram ao 25 de Abril de 1974. Excertos dessas seis horas de emissão foram registados em disco, sendo hoje, no dia em que se comemoram 36 anos após o registo desse conteúdo discográfico, o momento ideal para partilharmos com os nossos ouvintes a memória desse dia.

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José Matildes

2010-04-25T17:25:00.000-07:00

Para os menos conhecedores e principalmente para aqueles que não se dedicam ao estudo mais aprofundado da musica portuguesa, quando se fala de canto de intervenção particular, desde logo vêm à cabeça habituais cantores, tais como José Afonso, Adriano Correia de Oliveira, Sérgio Godinho, José Mário Branco, entre outros. Se é verdade que o nome destes cantores perpetua ainda na nossa memória devido ao enorme talento que tinham (e ainda têm – os vivos-), não deixa de ser verdade que o facto de se encontrarem quase todos exilados contribuiu para que os seus discos (de enorme qualidade), lançados quase que clandestinamente, quando chegavam a terras portuguesas tivessem um impacto muito superior ao de outros artistas que por cá gravavam com menos regularidade, e muitos deles, até de modo efémero.
Tal como Guthrie e Dylan, acompanhados apenas pela sua viola, instrumento acessível de baixo custo, também em Portugal, principalmente no pós 25 de Abril, ocorreu uma verdadeira explosão de cantores de intervenção, que viriam a ficar rotulados como baladeiros. Porém, ainda antes do 25 de Abril, alguns cantores apenas acompanhados pela sua guitarra lançaram discos nos quais abordam de forma directa e crua temas sociais susceptíveis de incomodar muita gente, ao mesmo que simultâneamente, tocavam o coração das pessoas. O medo, o exílio, a morte, a liberdade, a fome, eram alguns dos temas abordados por esses portadores que mais do que possuírem uma voz cuidada e treinada, tinham a particular capacidade de fazer passar a profundidade e o sentimento inerente a este género da música popular portuguesa.
José Matildes é um desses exemplos, um cantor e compositor que no seu primeiro dos seus três (e únicos) discos aborda todos esses temas com a honestidade característica de quem verdadeiramente sentia aquilo que cantava, musicando não só poemas seus, como também um poemas de outros poetas, como Manuel de Alegre e de João de Deus.
O nome de José Matildes não tem figurado na história da música portuguesa, sendo um nome cujo percurso musical findou pouco depois do ecludir da Revolução dos Cravos, com o seu último registo lançado em 1975 pela editora Vitória.

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Jorge Matias - Amarras

2010-04-25T16:59:00.000-07:00

Apesar de o chamado canto de intervenção ter tido algumas das suas raízes na década de 40, com as famosas Canções heróicas de Lopes Graça, a expressão é maioritariamente reconhecida no âmbito da chamada canção de resistência de matriz muito objectiva e directa, despida de arranjos orquestrais, na qual se dava primazia a um só instrumento (normalmente a viola) e à voz do autor (geralmente um cantautor). Obviamente que definir assim a música de intervenção seria o mesmo que reconduzi-la a uma visão demasiado simplista dessa nova atitude musical, uma vez que música de intervenção não se reconduziu apenas ao aglomerar de meia dúzia de chamados baladeiros que apelavam ao fim da guerra colonial e ao fim do regime Salazarista. Bem pelo contrário; no universo da música de intervenção em Portugal no período pré 25 de Abril há também que destacar alguns cantores que, mesmo mantendo a distância e nunca se assumindo contra o regime, também permitiram que a sua voz fosse o veículo de mensagens intimamente conotadas com uma nova mudança que se pretendia instalar na sociedade portuguesa. Aliás, muitos cantores (uns mais conotados com o nacional-cançonetismo do que outros) cantaram textos manifestamente susceptíveis de censura caso os mesmos fossem cantados por outros artistas. Um dos exemplos mais flagrantes (e que nos vem a memória neste preciso momento) é o de João Maria Tudella que ainda antes da Primavera Marcelista, cantou o tema “Liberdade” com letra de Manuel Alegre num dos discos que lançou para o mercado em finais dos anos 60 sem que (aparentemente) a brigada dos lápis azuis reparasse em tal facto.

Outros exemplos concretos poderíamos dar em relação a outros artistas sobejamente conhecidos. No entanto, optamos por divulgar o nome de mais um artista desconhecido do panorama actual que, em 1973, já com Marcelo Caetano no poder, optou por recorrer a um registo pop rock para lançar para o mercado discográfico um single com letras de conteúdo manifestamente associado à canção de intervenção. Efectivamente com “Amarras” e “Quanto valho”, Jorge Matias, apela ao universo da musica ligeira revestida de modernidade pop rock e com arranjos orquestrais plenos para cantar os mesmos temas que os cantores exilados da geração de 70 cantavam em França. Um dos temas recorrentes era o dos presos políticos, muitos deles autênticos prisioneiros, que passaram dias, meses ou até anos na prisão por divergirem dos ideais do regime. Felizmente, muitos deles acabaram por ser libertados, ao contrário do prisioneiro que Jorge Matias retrata nesta canção, que farto das amarras que o atormentavam parece desistir da própria vida abrindo a sua própria cova na cela que o encarcerava.

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Alvorada N-S-97-82

Danielis Ricardus - Ineditus

2010-04-10T16:38:00.000-07:00

Danielis Ricardus será provavelmente nome artístico que Daniel Ricardo (ou Ricardo Daniel) escolheu para se apresentar em disco. Sobre o artista nada sabemos, reconhecendo-lhe no entanto a ousadia, própria de um jovem, de ter criado a sua etiqueta discográfica com a indicação expressa no disco “Para lançar o meu som criei a minha editora”. Aliás, não é só através da criação da sua editora, que este artista manifesta o total domínio pela produção e idealização deste disco. A ele pertencem também as músicas e os poemas, sendo também Ricardus que toca órgão electrónico, sintetizador e programação, para além de se ter encarregado dos arranjos, direcção musical... e até da própria capa.
A acompanhar Danielis Ricardus nos dois temas deste single, estão os músicos Luis Duarte (viola-baixo), Fernando Falé (bateria)e Carlos Manuel (coros em “When I Wake”), interpretendo temas com uma forte componente instrumental, com influências bastante colocados ao rock progressivo anglo saxónico na sua vertente mais simplificada, destacando-se dos demais instrumentos, os sons dos vários teclados utilizados por Danielis Ricardus.
De Danielis Ricardus só podemos falar tendo em conta o som que o próprio artista nos oferece, muito cru, minimalista, provavelmente oriundo de um jovem músico com pretensões de explorar caminhos musicais fora do mainstream discográfico da altura.

Com a particularidade de cantar num inglês muito peculiar, sem rimas, Danielis Ricardus é para nós um mistério, que gostaríamos de desvendar, sendo também dele a interessante arte gráfica idealizada para a capa do disco, curiosamente com uma estética totalmente ao arrepio das capas de rock progressivo da época (estilo de música marcadamente reflectido no disco).
Da nossa parte deixamos então um excerto das canções constantes no disco que adquirimos, curiosamente, assinado pelo próprio Artista e oferecido ao programa de Rádio “Musical 81”, pelo que acreditamos tratar-se de um disco editado em finais de 1980 ou em 1981.

Danielis Ricardus
1. Ineditus 2. When I Wake

Luis Carlos e Bispo Pimenta - O judeu e a barba

2010-04-10T16:10:00.000-07:00

Ao termos assumido como ponto de partida a nossa manifesta ignorância perante o nome e percurso de diversos artistas portugueses e ao nos termos autoproposto a escrever sobre eles, tínhamos consciência de que poderíamos correr sérios riscos de escrever sobre artistas cujo nome ou percurso musical nos era obrigatório conhecer. Contudo, existem nomes, que por mais pesquisas que se façam, sobre eles não conseguimos encontrar qualquer informação, a não ser que nos desloquemos aos jornais de âmbito local ou a Arquivos Municipais de diversas regiões do pais, o que para já não é a nossa intenção. Conforme já referimos, preferimos convidar os leitores a colaborar nos nossos textos, de modo a torná-los o menos incompletos possíveis.
Os dois nomes que descobrimos recentemente são exemplos paradigmáticos do que referimos no parágrafo anterior: falamos de Luís Carlos e de Bispo Pimenta, um duo que ganhou o 1.º Prémio dos Jogos Florais de Trás-os- Montes, com a canção “Cantar é ser livre”. Sobre eles e sobre o seu percurso pré e pós Jogos Florais nenhuma informação adicional dispomos, para além das informações que constam na contracapa do disco. Em relação a Luís Carlos, o mesmo tinha em 1977 (data de lançamento do disco) apenas 18 anos e era natural de Vila Nova de Fôz Coa, sendo ainda estudante. Era sobre ele que recaía a responsabilidade de escrever as letras e compôr as canções e embora nenhuma referência expressa conste do disco, arriscamo-nos a dizer que seria também Luís Carlos que se encarregava da parte vocal das canções. Em relação a Bispo Pimenta, (cujo nome completo era Fernando António Bispo Pimenta) seu papel é quase idêntico ao de Luís Carlos, uma vez que compunha as canções juntamente com aquele, tocando também viola.
Tem sido sempre nossa preocupação partilhar temas que, por uma ou outra razão nos chamam mais a atenção em detrimento de outros. Em relação a este duo não foi propriamente a canção “Cantar é ser livre” que nos despertou interesse, uma vez que tal temática era mais do que recorrente no período pós 25 de Abril, embora estivéssemos já em 1977. É sim, a última canção deste E.P. que nos desperta a atenção, pela temática a ela associada.

A canção chama-se “O judeu e a barba”, tendo sido escrita e composta por este duo, com a colaboração de uma terceira pessoa (Fernando Pereira ) e tem como tema central o holocausto nazi e em especial os campos de concentração. Mórbido demais para alguns, chocante para outros, esta canção fala de um corpo de um judeu já falecido, cuja barba lhe fora arrancada já em momento posterior à sua morte, aproveitada para diversos fins.

É certo que muitas canções sobre o holocausto existem espalhadas por esse mundo fora, principalmente provenientes de países que de uma forma directa ou indirecta estiveram associados ao holocausto nazi. Sendo certo que não conhecemos tudo, esta é até ao momento a única canção que encontrámos cantada por um artista popular ou grupo português que tem como temática central os campos de concentração de nazis e o holocausto associado ao extermínio de judeus, interpretada num interessante registo folk-rock, com uma acentuada vertente baladeira.
Por outro lado, um outro aspecto que nos chamou a atenção e que confere especial interesse a este disco é o intrínseco mistério que recaí sobre a sua capa. Ora, se na verdade os artistas são o Luís Carlos & Bispo Pimenta, então porque razão na fotografia da capa se encontram 3 pessoas e não somente duas ? Naturalmente que dessas três pessoas, duas delas terão que ser Luís Carlos e Bispo Pimenta. E quem será o terceiro elemento ? Fernando Pereira ? Ou outro músico que terá participado na gravação dos temas ? A esta pergunta naturalmente não sabemos responder, ficando a aguardar que algum dos nossos leitores possa satisfazer a nossa curiosidade e por certo a curiosidade dos portugueses que eventualmente tenham este disco, gravado já na fase final da etiqueta Rapsódia.

Clique no Play para ouvir "O judeu e a barba"

Luis Carlos & Bispo Pimenta

Rapsódia EPF 5818

1. Cantar é ser livre (Luis Carlos - Bispo Pimenta)

2. Ilusões (Luis Carlos- Bispo Pimenta)

3. O Judeu e a Barba (Luis Carlos - Bispo Pimenta - Fernando Pereira)

José Lello - Baladas

2010-04-02T13:11:00.000-07:00

Para além dos diversos cargos políticos de destaque que o deputado do Partido Socialista José Lello ocupou no passado recente, que lhe deram alguma notoriedade pública, o seu nome esteve também associado nos últimos dias a uma polémica ocorrida no palco de muitos confrontos: A Assembleia da República. Falamos, naturalmente, do ataque de nervos que José Lello teve quando um jornalista focou a sua objectiva para o monitor do seu computador de trabalho, facto que levou o deputado a queixar-se, visivelmente furioso, de tal violação de privacidade, segundo o seu entendimento. A cena assumiu contornos naturais de Youtube, não tivesse José Lello fechado a tampa do monitor com tamanha força no final da sua intervenção, atitude que levou o presidente da Assembleia da Républica, Jaime Gama, a chamar a atenção do deputado, advertindo-o de que o seu computador não era de uso particular mas sim da Assembleia da República. A menos que o ilustre deputado estivesse a consultar sites duvidosos ou a trocar e-mails de conteúdo obsceno com outros ilustres deputados, a reacção de José Lello, por ser manifestamente despropositada acabou por relançar (nem que seja apenas por uma ou duas mediáticas semanas) o seu nome para as luzes da ribalta e para o mundo do espectáculo, tal como o fizera há já muitos anos atrás.
É que na verdade, já há muitos anos, José Lello foi o vocalista da famosa banda de yé yé , Os Titãs , conjunto que ganhou alguma notoriedade entre 1963 e 1969. Antes dos Titãs, formação para a qual terá entrado apenas em 1967, José Lello pertenceu ainda ao grupo “Os Cinco Académicos” e também ao Conjunto de Sousa Pinto. Como era característica da época, os grupos de Yé Yé portugueses, tinham todos uma duração efémera ou então mudavam radicalmente de formação (para muito contribuindo a obrigatoriedade de cumprimento de serviço militar no Ultramar), tendo sido sem surpresa que em 1969 tivesse ocorrido dissolução do grupo. No entanto, o percurso musical de José Lello não se ficaria pelos Titãs, tendo o mesmo gravado em 1969, o primeiro de dois E.P.'s para a etiqueta Alvorada, com letras e música de sua autoria (com excepção da Balada do Emigrante e Pescador, com música de Carlos Frias de Carvalho). Não fugindo da linha musical que lhe precedeu, José Lello através deste registo, conforme bem realça Ribeiro de Almeida (autor do pequeno texto de apresentação constante na contracapa do disco), mostra a sua escrita poética através de uma voz correctamente bem timbrada e plena de juventude.
Os arranjos e acompanhamento musical pertencem à Orquestra de Italo Caffi, notando-se na grande maioria dos temas a ausência de acompanhamento rítmico (ao arrepio da nota predominante nas orquestras), encaminhando o ouvinte mais para a escuta da letra, do que para a música propriamente dita, talvez com o propósito de acentuar no género balada a mensagem de dramas humanos que especialmente naquela época ocupavam a mente do povo português e de José Lello em particular.
Contrariamente ao seu percurso político já de longa duração, o percurso de José Lello terminou pouco depois (pelo que sabemos) após o lançamento do seu segundo disco, frustrando-se assim o augúrio de sucesso que lhe fora destinado por Ribeiro de Almeida, quando escreveu que José Lello era "Alguém" que surge e de que havia muito a esperar.

Clique no Play para ouvir um excerto do disco

ISILDA MARIA

2010-03-14T05:15:00.000-07:00

Não somos do tempo de Isilda Maria e confessamos que dela nunca tínhamos ouvido falar até adquirirmos aquele que é provavelmente o seu único disco, editado a título póstumo, como forma de homenagem dos seus familiares após a sua prematura morte. As escassas informações que recolhemos sobre Isilda Maria constam todas na contracapa do disco pelo que, na ausência de mais informações, transcrevemos na íntegra o texto de homenagem de Manuel Moreno escreveu sobre a artista:

"Este disco é uma homenagem à popular artista angolana ISILDA MARIA. Muito jovem ainda, possuía uma voz extraordinariamente promissora e o futuro, indicava-lhe uma auspiciosa carreira artística. ISILDA MARIA tinha o jeito das grandes vedetas de revista , Angola admirou-a em diversas interpretações desde os espectáculos de Music-Hall ao teatro ligeiro, onde encabeçou os elencos mais aplaudidos que constituíram êxitos de bilheteira.
ISILDA cantava com o coração porque era essencialmente uma voz do povo. Amorosamente gaiata a sua azougada presença, enchia os palcos e quando a sua voz fresca e bonita se fazia ouvir era o delírio das plateias angolanas.
Não quis o destino que a sua radiosa figura de artista popular permanecesse viva fisicamente. Num dia cinzento, quando ISILDA MARIA seguia a bordo dum avião que a levaria, mais uma vez, a cantar para o seu inúmero publico que a aguardava no norte do Estado, um desastre, vitimou-a, levando-a deste mundo, compungindo o coração de todos os que a conheciam e admiravam.
Ficou a sua voz perpetuada neste disco que agora se entrega ao em quatro trechos musicais, que o seu incontestável talento de artista, valorizou e enriqueceu."

Deste texto de 1974, resulta a clara informação de que Isilda Maria terá falecido pouco tempo antes transpor para disco a sua voz e que, muito provavelmente as suas gravações privadas terão sido aproveitadas pelos familiares para a edição deste E.P., uma vez que duas das canções são, inclusivamente, gravações ao vivo.
O primeiro dos temas incluídos no disco "Velho Barco" (o mais longo, daí o facto de o E.P. ter apenas 3 temas e não quatro como, por lapso, foi escrito no texto da contracapa) foi, aliás, a canção vencedora do 9.º Festival da Canção de Luanda de 1967, no qual Isilda Maria cantou acompanhada pelo Conjunto de Renato Silva, à semelhança do segundo tema “Nem Sol, nem Lua”, também uma gravação ao vivo.
Apesar daqueles dois registos musicais mais modernos, é a adaptação do popular fado Meia Noite para "Fado das Perguntas" cantado por Isilda Maria que mais nos chamou a atenção, pelo facto de a sua letra ironicamente ao ser apreciada em momento posterior à sua morte adquirir contornos de alguma fatalidade. Ou seja, as interrogações que canta Isilda Maria e as perguntas à Vida e à Morte que a própria canta, infelizmente, para quem as ouve já tiveram a sua resposta.
Este disco trata-se de uma edição particular e não comercial, cuja distribuição terá sido feita em quantidades muito limitadas. Para além de todas as particularidades que rodeiam este disco, destacamos ainda o facto de o nosso exemplar conter uma dedicatória muito possivelmente assinada pelos pais da malograda artista (“Lembrança da nossa saudosa filha”) facto que reforça ainda mais a raridade e o carácter familiar da distribuição deste disco.

Clique no Play para ouvir um excerto do disco

Isilda Maria
1. Velho Barco (Helena Moreira Viana/ Manuel Viana)
2. Nem Sol nem Lua (Nóbrega e Sousa/ David Mourão Ferreira)
ac. Conjunto Renato Silva
3. Fado das perguntas (Fado Meia Noite/ Gabriel Duarte)
ac. Luis Moreira (guitarra) e Humberto Andrade (viola)
Edição Particular não comercial

Balada do Entardecer - Coimbra

2010-03-14T04:35:00.000-07:00

O disco que apresentamos hoje é, acima de tudo, uma peça de grande valor filatélico. Parece estranho, não é? Vamos esclarecer: a filatelia, numa definição muito abreviada, traduz-se no passatempo de colecionar selos e todos os seus derivados, nomeadamente carimbos (carimbologia) cartas antigas (pré-filatelia), postais, entre outras coisas intimamente ligadas à circulação de correspondência as quais, com o decorrer dos tempos, se transformaram em coleccionismo. No entanto, não iremos entrar muito por esse campo (no qual somos também entendidos), cabendo-nos apenas partilhar consigo um interessante lote adquirido num leilão filatélico, que tem a dupla particularidade de ser simultaneamente um objecto de colecção para os filatelistas (em particular aqueles que coleccionam inteiros postais) e para os amantes do vinil. Falamos de um POSTALDISCO, que conforme a aglutinação de palavras assim o indica, tem a particularidade de ser simultaneamente um postal e um disco.
Efectivamente, na frente do postal, encontramos reproduzida uma foto da cidade de Coimbra vista desde o rio Mondego e também o espaço destinado à leitura do disco, de 78 rotações. No verso do postal, para além do espaço destinado à colocação do selo, do destinatário e texto a escrever, encontramos também a descrição da canção contida na face do postaldisco. Como seria natural, a musica que acompanhava o postal teria que ser um fado ou uma guitarrada de Coimbra, neste caso específico, a Balada de Entardecer da grande referência da canção Coimbrã, Fernando Machado Soares.
Apesar dos anteriores considerandos, arriscamos ser unânime em reconhecer que o grande interesse deste disco era o facto de permitir ao turista de Coimbra a grande possibilidade de poder enviar a alguém, através de um único objecto, um postal que tinha impresso na sua frente um disco. Ou seja, permitia-se assim o envio de um disco, que ao mesmo tempo é um postal e um postal que ao mesmo tempo é um disco. Sem recorrermos a um grande esforço podemos imaginar o prazer do destinatário do postal quando o mesmo recebesse em sua casa este postal com os seguintes dizeres “Olá. Passei pela bela cidade de Coimbra e decidi enviar-te uma música para tu ouvires.”

Clique no Play para ouvir a "Balada do entardecer"

Este postaldisco é um edição da Rádio Triunfo, tendo sido a canção Balada do Entardecer extraída do disco Alvorada MEP 60109 (" Fados e Guitarradas de Coimbra") de 1958.

Zé Duarte - Baleia, Baleia

2010-02-28T17:08:00.000-08:00

Escolhemos para hoje uma balada de Zé Duarte, mais um cantor cujos dados biográficos e percurso musical é desconhecido da grande maioria dos portugueses, Tal como tentar dar um tiro no escuro pode ter resultados indesejáveis também divagar sobre uma figura que nos é desconhecida pode desaguar em conclusões erróneas, pelo que nos centraremos estritamente nas emoções que transvazam do tema “Baleia, Baleia”, uma interessante canção sobre a vida dos pescadores baleeiros e sobre uma temática que, infelizmente, nos últimos dias tem sido bastante actual. Falamos dos constantes perigos e armadilhas que rodeiam todos os marinheiros e pescadores, os quais arriscam a sua vida no mar, nas agitadas águas em que muitas vezes navegam. Assim tem sido assim nos últimos dias, devido aos enormes temporais que tem assolado o país, que tiveram consequências não só em terra, como também no mar onde já desapareceram alguns pescadores devido à força das tempestades marítimas. “Baleia, Baleia”, retrata assim, com algum romantismo, não só a luta de quem vai como também a angústia de quem fica no areal à espera dos que partiram na incerteza do voltar.

Socorrendo-se de arranjos musicais simples e directos, na mesma linha dos heróis retratados nesta canção, Zé Duarte, músico açoreano nascido na ilha do Pico e emigrado nos E.U.A. desde 1984, deixa a seu cargo não só a letra e música, como também a orquestração. Da análise do disco, conjugado com o facto de nem na capa nem na contracapa do mesmo termos qualquer referência à editora e ano de edição, julgamos tratar-se de uma edição de autor de tiragem bastante limitada. Apesar do aparente desconhecimento da figura de Zé Duarte, uma pequena biografia sua é apresentada pelo próprio na sua página oficial na internet http://www.zeduarte.com/

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Zé Duarte

Lado A : Baleia, Baleia

Lado B - Porque partes emigrante

Letra e Música : Zé Duarte

Ref : Z-100

CHEGOU A YENKA ! TEREZITA GALARZA

2010-02-21T16:35:00.000-08:00

Em 1965, o duo Jonnhy & Charley Kurt lançou na Europa um disco com uma canção que se transformou na canção desse Verão. Tal canção chamava-se “La Yenka” e tinha a particularidade de ser cantada acompanhada por uma engraçada coreografia, que rapidamente se transmutou numa dança recorrente nos meados da década de 60 em toda a Europa.
Contrariamente ao que acontece hoje em dia, em que quase todas as composições de grande sucesso são coreografias disfarçadas de canções, promovidas por grandes produções videográficas, nos anos 60 eram poucas as bandas que juntamente com o lançamento de uma determinada canção as faziam acompanhar por um videoclip. A Europa continental não fugia a essa regra e tal como assim sucedeu em Portugal, face à ausência de um videoclip oficial, a contracapa do disco trazia impressa ilustrações que ensinavam os ouvintes a dançar a yenka seguindo cinco passos obrigatórios: saltando para a esquerda duas vezes, saltando para a direita duas vezes, um salto à frente e um salto atrás, culminando com três saltos à frente.

A yenka apareceu em Portugal numa época em que começavam a nascer em Portugal as primeiras bandas pop rock, embora ainda numa fase muito embrionária e tímida, contrariamente ao “yé yé” que era já moda e fenómeno musical bastante divulgado, nomeadamente através dos inúmeros festivais e concursos de Yé Yé que proliferavam um pouco por todo o país. Liricamente inofensivas para o regime político de então, muitas dessas canções yé yé foram autênticos sucessos em Portugal, fossem elas composições originais ou simplesmente versões de composições estrangeiras. Também assim o é a versão portuguesa de “A Yenka”, interpretada por Terezita Galarza, com letra adaptada para português de Hernâni Correia e com arranjos de Shegundo Galarza (que mais podia ser ?), uma canção interpretada pela voz de uma rapariga ainda menina que, contudo, consegue convidar com voz convincente todos os ouvintes (principalmente os mais novos) a juntar-se a ela e a dançar a yenka, segundo as instruções que constavam na contracapa do disco.
Desconhecemos o parentesco de Terezita Galarza com Shegundo Galarza, embora não hesitemos em afiançar que, seguramente, seriam familiares bem próximos devido às parecenças faciais destas duas figuras. Igualmente desconhecemos o percurso musical de Terezita Galarza, se é que o mesmo alguma vez existiu, ou se este disco se tratou de uma mera aventura musical da família Galarza.
Os restantes temas do disco são um reflexo das novas tendências da música que Portugal começava a assimilar a par do fado e que, em certa medida, se mantiveram quase que estanques até finais da década de 60, altura em que, como veremos mais para a frente, o verdadeiro movimento de rock de identidade própria portuguesa começa a emergir, renegando para segundo plano o (tão injustamente) apelidado de nacional-cançonetismo.

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Terezita Galarza acompanhada pelo Conjunto de Shegundo Galarza

1. Chegou a Yenka (Shegundo Galarza – Hernâni Correia)
2. Quero ser alguém (Shegundo Galarza – Hernâni Correia)
3. Chica yé yé (António Algueró – António Guijarro)
4. Olha o palhaço (José Santos Rosa – Hernâni Correia)
Alvorada 60772 (E.P.).

Portugal - Fado Tropical

2010-02-16T16:49:00.000-08:00

Novamente invertemos o rumo do Bairro do Vinil, ao apresentarmos hoje uma composição pouco conhecida de um artista mundialmente famoso. Se é verdade que quando iniciámos este projecto nos propusemos a abordar artistas completamente desconhecidos da música (popular) portuguesa, não deixa de ser menos verdade que também deixámos em aberto a possibilidade de, aos poucos, irmos apresentando temas completamente desconhecidos de artistas portugueses já consagrados. Ao escolhermos para hoje um tema de Georges Moustaki, aliás “Giuseppe Mustacchi” corremos o risco de o leitor eventualmente pensar que o nosso espaço na internet está completamente desvirtuado pois, para além de Moustaki não ser português, é um artista consagrado há quase 6 décadas e conhecido mundialmente (embora, sejamos honestos, se hoje perguntarmos a alguém se conhece tão ilustre figura, a resposta provavelmente será negativa).
Contudo, a escolha de Moustaki não foi feita ao acaso pois este cantor francês (nascido no Egipto, filho de pais gregos) para além de ser um grande amante da cultura e da música de expressão portuguesa (principalmente da musica brasileira) durante muitos anos transportou para a sua música grandes causas, como a da libertação dos povos sujeitos às opressões de regimes ditatoriais e a “proclamação da boa hora permanente” (tal como canta numa das suas canções mais famosas). Não estranhou por isso que a Revolução de Abril, conhecida por Revolução dos Cravos, não lhe fosse indiferente, tendo lançado em 1974 um single dedicado à revolução de 25 de Abril de 1974, precisamente com o título de “Portugal (Fado Tropical)”.
Convém referir, antes de passarmos à musica propriamente dita, que Georges Moustaki desde o início dos anos 70, fazia constantes viagens ao Brasil, onde travou grandes amizades, nomeadamente com o escritor Jorge Amado, e com alguns nomes da canção brasileira, entre os quais Gilberto Gil, Elis Regina, Vinicius de Moraes ou Chico Buarque da Holanda, entre outros. Aliás, foi a partir de uma canção deste último “Fado Tropical” (canção com declamação de poeta de Carlos do Carmo), que Moustaki transformou num enorme êxito a canção “Portugal“, num registo bem ao seu estilo, de arranjos perfecionistas, embora em segundo plano a favor do intimismo que a sua voz nos oferece.
Depois de ter colaborado e de ter escrito para ínumeros ícones da canção francesa, entre os quais Edith Piaf, Henri Salvador ou Yves Montand, depois de ter visto as suas canções versionadas por outros tantos (sendo o mais recorrente o cantor Serge Reggiani) e de ter contado com a ajuda do grande Astor Piazzolla em alguns dos arranjos das suas canções, Moustaki permanece ainda, aos 76 anos em perfeita actividade, tendo visitado o nosso país em 2008, onde ofereceu dois concertos ao público português e no qual, mais uma vez, voltou a cantar em português alguns versos da canção “Portugal”, tal como antes o fizera em disco.
Para além de todo o interesse da letra da canção que transcrevemos, escolhemos também hoje esta canção pelo facto de Georges Moustaki ter cantado meia dúzia de versos da sua letra em português (embora manifestamente abrasileirado, devido às suas longas estadias no Brasil, uma das suas segundas pátrias) e também pela elucidativa capa do disco, representando um cravo vermelho, com todo o simbolismo a ele associado.
Moustaki não foi o único músico estrangeiro a dedicar canções a Portugal e, neste caso concreto, à revolução portuguesa. Por hoje apresentamos este artista, ficando prometido que, mais tarde ou mais cedo, nova abordagem sobre este tipo de registos musicais será por nós feita. Para finalizar, não podemos deixar de salientar o registo do lado B deste single, simplesmente soberbo, com uma das mais belas canções de Moustaki : "Chanson pour elle (elle ne fait pas l' amour, elle ame)".

Oh muse ma complice
Petite sœur d'exil
Tu as les cicatrices
D'un 21 avril

Mais ne sois pas sévère
Pour ceux qui t'ont déçue
De n'avoir rien pu faire
Ou de n'avoir jamais su

A ceux qui ne croient plus
Voir s'accomplir leur idéal
Dis leur qu'un œillet rouge
A fleuri au Portugal

On crucifie l'Espagne
On torture au Chili
La guerre du Viêt-Nam
Continue dans l'oubli

Aux quatre coins du monde
Des frères ennemis
S'expliquent par les bombes
Par la fureur et le bruit

A ceux qui ne croient plus
Voir s'accomplir leur idéal
Dis leur qu'un œillet rouge
À fleuri au Portugal

Pour tous les camarades
Pourchassés dans les villes
Enfermés dans les stades
Déportés dans les îles

Oh muse ma compagne
Ne vois-tu rien venir
Je vois comme une flamme
Qui éclaire l'avenir

A ceux qui ne croient plus
Voir s'accomplir leur idéal
Dis leur qu'un œillet rouge
À fleuri au Portugal

Débouche une bouteille
Prends ton accordéon
Que de bouche à oreille
S'envole ta chanson

Car enfin le soleil
Réchauffe les pétales
De mille fleurs vermeilles
En avril au Portugal

Et cette fleur nouvelle
Qui fleurit au Portugal
C'est peut-être la fin
D'un empire colonial

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Paco Bandeira e a sua viola

2010-01-24T16:57:00.000-08:00

Num dos nossos primeiros comentários, aflorámos já um lado menos conhecido do sobejamente conhecido Paco Bandeira, realçando a sua versatilidade inesperada ao mesmo que a confrontava-mos com constância do mesmo género musical (musica ligeira) que optou durante grande parte da sua carreira. Hoje, apresentamos aos nossos leitores um disco de todo inesperado e totalmente desconhecido da grande maioria dos portugueses e até dos fans do artista em particular. Trata-se de um dos mais antigos discos de Paco Bandeira (senão o primeiro?), gravado para a etiqueta Rapsódia, e cujo ano, a julgar pela referência deste E.P., se situará com elevado grau de probabilidade em 1967, ou seja há 43 anos atrás.
A particularidade deste disco, para além de apresentar um jovem Paco Bandeira acompanhado exclusivamente à viola, tal qual Dylan, num registo folk music, é a de Paco Bandeira se nos apresentar cantando em português do Brasil. Temos tentado esclarecer junto de alguns entendidos pela música a razão que levou Paco Bandeira a gravar este disco com 4 temas exclusivamente cantados em português do Brasil, embora arrisquemos que a razão principal prende-se com a temática do disco, manifestamente relacionada com a emigração e as saudades do pais de origem, numa relação que vislumbramos estar intimamente contextualizada entre o povo português e o povo brasileiro, que Paco Bandeira encarna tão veemente.

Despido de arranjos orquestrais que sempre o acompanharam nas suas gravações, Paco Bandeira neste disco, recorre ao que mais de genuíno há num cantor: a sua voz, apenas acompanhada, como já se referiu, pela sua viola, razão pela qual o disco se chama precisamente “Paco Bandeira e a sua viola”.
Para além da capa que apresentamos hoje, conhecemos uma outra versão deste disco, da mesma editora, com os mesmos registos musicais mas com uma capa radicalmente diferente.

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"Paco Bandeira e sua Viola"
Lado A1- Canção ao Porto (Paco Bandeira)
Lado A2- Sonho Curioso (Paco Bandeira)
Lado B1- O Emigrante (Paco Bandeira)
Lado B2- Dália (Paco Bandeira)
Rapsódia EPF 5.339

Germano Rocha - Floresce a Vida

2010-01-17T17:47:00.003-08:00

Hoje retiramos do baú do esquecimento a figura de Germano Rocha, mais um ilustre emigrado, perfeito desconhecido nos tempos de hoje. De seu nome completo Germano Pereira da Rocha, nasceu na terra do folclore, em Santa Marta do Portuzelo, em 1937, tendo sido naquela colectividade que cantou pela primeira vez com a tenra idade de 8 anos. Antes de começar a cantar profissionalmente, encontrava-se empregado no Laboratório Nacional de Engenharia Civil de Lisboa. Foi nessa cidade que teve contacto pela primeira vez com o fado, tendo sido enquanto cumpria o serviço militar, em 1958, que cantou no Restaurante Típico Luso e conseguido a sua carteira profissional, facto que lhe permitiu adquirir um passaporte e partir para França. Aliás, foi nesse país que Germano Rocha, passou a ser verdadeiramente um músico profissional, quando, em Paris é descoberto por um célebre musicógrafo francês, Jean Witold, que lhe abriu as portas para gravar, em pouco tempo uma série de discos em formato Long Play, em língua portuguesa para a Polydor e para a Barcllay, com fados e baladas portuguesas, nomeadamente fados de Coimbra. Depois dos discos seguiram-me as actuações, tanto em televisões como espectáculos, tendo corrido o mundo, até se radicar, de forma aparentemente definitiva no Canadá, onde hoje é membro da «Guilde des Musiciens du Québec», da Sociedade dos Autores Compositores do Canadá e membro Honorífico da Confraria dos Enologistas do Québec.
Após contacto com o artista e após uma pesquisa na Internet, recolhemos também, do próprio site de Germano Rocha, este parágrafo que transcrevemos: “Instalado na citade de Québec desde há alguns anos, onde possuiu um restaurante típico, Germano Rocha, não abandonou a ideia de ser divulgado em Portugal. Canadá, já o homenageou, escolhendo uma das suas canções escrita em francês, para ser arquivada no Museu do Homem da cidade de Ottawa na selecção intitulada «Many are strong among the Strangers».”

Germano Rocha, em 1965.

Curiosamente, em 1965, numa entrevista para um revista de actualidades portuguesa, Germano Rocha, dizia peremptóriamente que jamais cantaria em francês por entender que as suas canções se encontravam ao serviço da música portuguesa. Ora,o que é certo é que, até ao momento o estado português ainda não se lembrou de reconhecer institucionalmente o trabalho de divulgação da nossa cultura levado a cabo por Germano Rocha ao longo de mais de 5 décadas,o que de certa forma não nos espanta, atendendo ao facto de outros artistas portugueses ( bem mais conhecidos que Germano Rocha) terem tido também papel de destaque no estrangeiro e hoje encontrarem-se perfeitamente esquecidos.
Cabe-nos a nós tentar inverter a situação e divulgar ainda que de forma bem modesta a excelente qualidade das canções de Germano Rocha editadas em Portugal sob a chancela da Alvorada. Não se tratam de meras canções saudosistas ou canções desprovidas de sentido poético, bem pelo contrário. Tratam-se de canções com arranjos instrumentais de grande preponderância, criando-se assim um tapete sonoro que reforça a temática adjacente a cada um dos poemas orquestralmente musicados pelo maestro Victor Campos. Curiosamente, Germano Rocha na série de EP's e singles que gravou em Portugal socorreu-se de arranjos orquestrais em detrimento do acompanhamento das violas e guitarras portuguesas, facto que deu um outro "balanço" rítmico à sua voz e uma certa emotividadeem determinadas canções. Assim, destacamos as os temas “Altos Fundos”, escritos sobre refrão popular, e “ Canção de Vitória” , para ilustrarmos da melhor forma possível a elevada qualidade de produção deste disco.

Clique no play para ouvir um excerto dos temas

Germano Rocha - "Floresce a Vida"

Alvorada : EP-S-60-1517

Lado A 1. Floresce a Vida (Germano Rocha)

Lado A 2. Altos Fundos (Germano Rocha/Popular)

Lado B 1. Canção de Vitória (Germano Rocha/ João de Castro Osório)

Lado B2 . Beijos que eu te dei (Germano Rocha/Manuel Collares Pereira)

O mar é largo

2010-01-10T15:37:00.000-08:00

Em 1955 David Bartholomew and Pearl King escreveram a canção “I hear you knocking”, gravada pela primeira vez por Smiley Lewis, que de imediato a transformou num enorme êxito, tendo chegado a número #2 das tabelas de Rhythm and Blues, logo no ano da sua gravação. Tal canção foi posteriormente versionada por dezenas de artistas americanos, em vários estilos e ritmos, sendo talvez a sua versão mais conhecida a de Dave Edmunds de 1970. Contudo, também em Portugal, um cantor de nome António Rios, cantou essa canção na versão de Carlos Portugal, cuja letra foi radicalmente transformada para o título de “O mar é largo”.
Gravada em 1972, fazendo parte do single “Teu corpo em minha mão”, “O Mar é largo” não se limita apenas ser uma canção sobre a imensidão do mar. É também, um tema com uma mensagem bem direccionada para todos que encontravam no outro lado do mar uma fuga da realidade portuguesa da época. Versos como os seguintes ilustram bem esse facto: "Se todo o teu passado foi navegar/ se a vida deste lado não tem lugar/ o mar é largo/ tem a onde ir dar/ O mar é largo/ não queiras ficar”, conduzindo o pensamento do ouvinte para outras geografias, nomeadamente o outro lado do Atlântico, onde era possível evitar, por exemplo, entre outras situações, a guerra colonial. “O mar é largo” é pois uma canção de esperança e um convite à fuga, através do apelo rítmico do blues, em manifesto contraste com os outros ritmos que se ouviam em Portugal. De destacar nesta canção é ainda o sentido poético e irónico que Carlos Portugal (outro nome cuja música urge descobrir futuramente) introduz nesta versão de “I hear you knocking”, de modo que esta letra pode ser interpretada, por um lado, de uma forma mais contestatária e por outro lado como um belo poema sobre as possibilidades e a beleza que o mar nos oferece.
Sobre António Rios pouca ou nenhuma informação possuímos. Sabemos que, para além deste single, tem pelo menos mais dois singles lançados pela etiqueta Alvorada. Não possuímos qualquer informação adicional sobre a sua biografia e o seu percurso artístico. Contudo, a falta de informação sobre o artista jamais nos poderia impedir de divulgar esta extraordinária interpretação vocal, na qual a ironia da letra é assimilada em pleno pela voz de António Rios.

Clique no Play para ouvir " O mar é largo"

António Rios (Alvorada N-97-62)
Lado A: Teu corpo em minha mão (Snow bird) – Gene MacLellan – Versão: Carlos Portugal
Lado B :O mar é largo - (“ I hear you knocking”) King : versão . Carlos Portugal

Mensagem de D. Maria Pia a todos os portugueses

2010-01-01T16:43:00.000-08:00

Iniciamos o novo ano de 2010, com uma mensagem dirigida a todos os portugueses, que poderá ser estranhada por quem oiça o que hoje divulgamos. Para alguns, que acreditamos ser em muito poucos, o tema de hoje não será por certo desconhecido mas possivelmente, para a grande maioria, o será totalmente. Atrevemo-nos mesmo a dizer que a serem dados como provados os factos que hoje documentamos, a História presente teria que ser totalmente reescrita, nomeadamente o percurso da história da monarquia portuguesa no século XX, com consequências directas na dúbia questão da sucessão ao trono - caso tivéssemos regressado a uma monarquia em Portugal, fosse ela constitucional ou absoluta
Não querendo ser donos da verdade (pois os factos que hoje iremos relatar, para além de só revelaram uma face de uma estranha moeda, passaram-se todos eles há mais de um século, altura em que, infelizmente, ainda não existia a obrigação de registar todos os nascimentos verificados em Portugal) pretendemos antes transmitir os factos que durante mais de 50 anos foram abafados pelo ramo miguelista (do qual descende directamente D. Duarte Pio, proprietário da Casa de Bragança) e pelo Regime do Estado Novo.
Falamos da S.A.R. Senhora D. Maria Pia de Saxe-Coburgo, duquesa de Bragança, nascida a 13 de Março de 1907, na Avenida da Liberdade, fruto de uma alegada relação extra-matrimonial do Rei D. Carlos com a senhora Maria Amélia Laredó, pelo que, a ser assim, como efectivamente parece ser, o Rei D. Carlos à data do regicídio de 1 de Fevereiro de 1908, tinha então 3 filhos: D. Luís Filipe (príncipe herdeiro), D. Manuel (futuro rei, único sobrevivente do atentado) e D. Maria Pia, a quem, conforme documenta a história (pouco divulgada), o rei D. Carlos concedeu uma mercê no dia 14 de Março de 1907, na qual reconhecia D. Maria Pia como sua filha um dia após o seu nascimento, Dado o interesse de tal escrito, transcrevemos na integra a mercê do Rei. D. Carlos:

«Eu, El-Rei, faço saber aos que a presente carta virem, que atendendo às circunstâncias e qualidades da mui nobre senhora Dona Amélia de Laredó, e querendo dar-lhe o testemunho autêntico da minha real consideração, reconheço por minha muito amada filha a criança a quem dera à luz a mencionada Senhora na freguesia do Sagrado Coração de Jesus de Lisboa, a treze de Março de mil novecentos e sete.Sendo bem-visto, considerado e examinado por Mim tudo o que fica acima inscrito, autorizo e peço às autoridades eclesiásticas ponham-me as águas baptismais e os nomes de Maria e Pia, a fim de poder chamar-se com o meu nome d'ora em diante d'este nome com as honras, prerrogativas, proeminências, obrigações e vantagens dos Infantes da Casa de Bragança de Portugal. Em testemunho e firmeza do sobredito fica a presente carta por Mim assinada.Com selo grande das minhas armas. Dada no Paço das Necessidades, a catorze de Março de 1907. -Carlos Primeiro, El-Rei»

Ora, fácil será de perceber, portanto, que a consequência de tal reconhecimento implicou necessariamente que em abstracto D. Maria Pia, pudesse ser, caso as circunstâncias o permitissem, a legítima sucessora ao trono português, por ser filha de Rei D. Carlos! Questão essa que não se colocara em 1908, quando D. Manuel assumiu precocemente o trono, mas sim quando em 1932 D. Manuel faleceu , sem deixar descendentes directos. Com efeito, imediatamente se colocou a questão: Quem sucederia na linha directa ao trono?
Teoricamente, seria D. Maria Pia; primeiro, por estar viva e ser descendente da linha liberal de D. Pedro e, segundo, porque a Constituição Monárquica de 1838 consagrou a exclusão do Ramo Miguelista à linha sucessória real. Por outro lado, a lei da Proscrição de 15 de Outubro de 1910, determinou proscrita para sempre a família de Bragança, no que tocava ao ramo liberalista (D. Carlos) ao mesmo tempo que mantinha igualmente a proscrição do ramo Miguelista. Sucede porém, que em 1950 o Secretário-geral do Alto Conselho do Estado da República de Portugal, em 1950, anulou a pena de exclusão do Ramo Miguelista à linha sucessória real, considerando-a mesmo a única e legitima para esse hipotético fim. Ou seja, de um dia para o outro, ter-se-á dado o qui pro quo que possibilita que D. Duarte Pio se intitule legitimo proprietário da casa de Bragança. Mas afinal quem será actualmente o legítimo herdeiro do trono português?
Da nossa parte, através de disco de hoje, esperamos dar um contributo ou pelo menos lançar mais uma acha para a fogueira, uma vez que a interprete deste disco é a própria D. Maria Pia, também ela auto intitulada Duquesa de Bragança que no final do ano de 1966, dirige a todos os portugueses uma mensagem de Natal... e não só. Neste disco, Dona Maria Pia, aproveita para reiterar a sua legitimidade na linha de sucessão, ao mesmo tempo tentando esclarecer os portugueses sobre as alegadas calúnias e tentativas de falsos pretendentes (numa clara alusão a D. Duarte Nuno, pai de D. Duarte Pio).

Na contrapa do disco, a Princesa Maria da Glória Cristina Amélia, filha de D. Maria Pia

Este disco, trata-se, sem dúvida alguma de um testemunho importantíssimo para todos aqueles que queiram aprofundar um pouco mais os seus conhecimentos sobre a questão monárquica e das divergências em torno dela. Com efeito, por um lado temos D. Maria Pia, à data dos factos filha ilegítima (e como tal não sucessível, segundo a lei de 1867 que vigorou até 1966) e por outro lado, D. Duarte Pio, descendente directo de D. Miguel, filho de D. João VI, rei de Portugal.
D. Maria Pia de Saxe –Coburgo, faleceu a 6 de Maio de 1995, em Verona, não sem antes ter abdicado da sucessão a favor de Rosario Poidimani, em detrimento dos seus descendentes directos (filhas e netos, os quais renunciaram também eles à sucessão).

Juntamente com o disco que recebemos, encontramos no seu interior, um interessante cartão de visita com as seguintes inscrições “S.A.R. A SENHORA DONA MARIA PIA DE SAXE-COBURGO DUQUESA DE BRAGANÇA” e com a menção escrita a esferógráfica “Cumprimenta” Madrid : Apdº de Correos 19148”.

A mensagem de S.A.R. A Senhora Dona Maria Pia, Duquesa de Bragança, foi gravada em Espanha, em 1966, distribuída pela Iberofon, S.A., tratando-se de um disco de oferta (com consequente venda proibida). Não querendo especular, não nos surpreenderia de todo que o cartão de visita que acompanhava o disco, tenha sido assinado pela própria D. Maria Pia, mas devido à escassez de mais informações, remetemo-nos a deixar apenas a nota da sua existência, até que alguém nos esclareça sobre a sua proveniência.

Clique no Play para ouvir parte da mensagem de D. Maria Pia aos portugueses

Nota: Muitas das informações recolhidas foram retiradas do site http://www.theroyalhouseofportugal.org/dmaria.htm, não querendo os autores deste blogue tomar partido de qualquer questão.

Zaca da Silva - Canção do Mar

2009-12-27T16:26:00.013-08:00

Recentemente, veio-nos parar às mãos um interessante disco, gravado na Africa do Sul (onde há vários anos atrás residiam milhares de portugueses) que não hesitamos partilhar com os nossos ouvintes, dado o mistério que sobre si recai. Trata-se de um disco de “Zaca da Silva and His Trio” com o título de capa “Queme”. Para alguém menos atento, tal disco poderia ser facilmente confundido com um disco de música brasileira ou latino-americana. No entanto, após leitura atenta da contracapa do exemplar que adquirimos, chegamos à conclusão tratar-se de música portuguesa, tocada e cantada por intérpretes portugueses, oferecendo uma excelente amostra do virtuosismo dos músicos portugueses que procuraram a sua sorte além-fronteiras, nomeadamente oriundos de Portugal insular, como é o caso deste trio da ilha da Madeira.

Efectivamente este trio terá corrido mundo, tocando nos principais bares e hotéis de Luanda, Lourenço Marques (actual Maputo, onde permanceram durante dois anos no hotel Girassol), encontrando-se há data da gravação deste E.P.. como músicos residentes do Bal Tarabin Night Club em Joanesburgo. Terá sido durante a estadia deste agrupamento na África do Sul, que se criaram as condições para a gravação de um disco de Zeca da Silva and his Trio pela etiqueta sul africana RAVE (REP 42). De registar, para além da qualidade indubitável destes músicos, são também os interessantes erros de escrita que detectámos no alinhamento das canções que compõem o disco, associados, naturalmente à pronúncia da língua portuguesa através da língua inglesa. Efectivamente, só após a audição de cada um dos temas é que pudemos decifrar o verdadeiro alinhamento do disco e descobrir os títulos, que traduziremos para português correcto:
Zaca da Silva and his trio – Zeca da Silva e o seu Trio
Cancado do Mar – Canção do Mar
Queme – Quem é ?
Senhora da Nazare – Senhora da Nazaré
Never on sunday - Título correcto

O trio de Zeca da Silva foi para Moçambique pela primeira vez em 1960 e actuou no Hotel Girassol de Lourenço Marques, sendo na altura verdadeiramente um quarteto. Muito devido à qualidade que evidenciava, Zeca da Silva e o seu Conjunto, acompanharam a eleita Rainha da Rádio de Moçambique de 1960, Marinela, na gravação do seu primeiro disco para a Alvorada. Em 1961, o quarteto partiu para uma temporada na Rodésia, à semelhança do que era habitual nos conjuntos de jazz ou de ritmos modernos que se encontravam no Ultramar, que percorriam vários países africanos fronteiriços como a África do Sul, fixando-se aí em "boites" e Hoteis de renome, nomeadamente em Joanesburgo. Como era também bastante comum estas formações sofriam contínuas alterações na sua composição. Por exemplo, depois de desfeito e refeito, em Dezembro de 1966, o quarteto de Zeca da Silva era apenas um trio formado por Carlos Rodrigues ( baterista e vocalista) Fernando Guerreiro ( contrabaixo, vibrafone e acordeão) e Zeca da Silva, ao piano. À data da gravação deste disco ( data que ignoramos) era composto pelos seguintes elementos, todos eles (quase de certeza) provenientes da escola jazzística : Zeca da Silva (piano), Fernando Olim (guitarra), Artur Andrade (baixo) e Tony Oliveira (bateria e voz), todos eles participantes nas gravações deste disco.

O Trio Zeca da Silva, em 1966

Para além do interesse musical que este disco desperta, numa mescla de jazz com influências latinas, é o facto de este agrupamento ter revestido duas das mais populares canções portuguesas (Canção do Mar e Senhora da Nazaré), com uma instrumentalização totalmente apropriada ao Bal Tarabin Night Club, onde tocavam habitualmente, ou seja, musica ambiente de bar de hotel.
Á semelhança de outros artistas, já por nós comentados, desconhecemos por completo o antes e o depois desta formação quer em termos biográficos, quer em termos discográficos, uma vez que, pelo menos, em Portugal, não encontramos qualquer referência a Zeca (Zaca) da Silva e o seu trio, pelo que qualquer informação sobre este trio será sempre bem vinda, nomeadamente relativa à sua formação original e ano de dissolução definitiva.

Clique no Play para ouvir um excerto de "Cancado do Mar"

A Caminho de Belém

2009-12-25T12:36:00.000-08:00

Chegamos a mais um Natal e como é evidente, não podíamos deixar de invocar esta quadra festiva e todos os sentimentos que emanam da época natalícia. É neste dia que, aparentemente e por breves momentos, todos nós esquecemos o egoísmo próprio do Homem, dando lugar à partilha, à alegria e, sobretudo, à fraternidade entre todos, altura em que sobressai o reunir da família, enquanto uma das muitas manifestações da mensagem de Cristo. Tal como se escreveu na contracapa do disco, “não há Natal sem música, sem alegria, sem o repicar festivo dos sinos, sem a alegria das crianças.”.
Dados os enormes conflitos, consumismo desenfreado e guerras que assolam cada vez mais toda a humanidade, somos obrigados a reflectir em relação ao actual impacto que o Natal tem na sociedade contemporânea. Contudo, como o objecto do nosso blogue é diverso, não nos alongaremos demais nestas considerações laterais, lançando apenas para o ar uma interrogação mais do que batida: “Afinal o Natal não devia ser todos os dias ?”.

Pois bem, ao escolhermos hoje este tema conseguimos reunir, em pouco mais de 2 minutos, a alegria, os sinos de Natal (através dos onomatopaicos Coros da Orquestra de Resende Dias) e a alegria das crianças, não fosse “A caminho de Belém”, interpretado por uma criança de nome Nelinha Bigaíl.
À data do lançamento deste E.P. não era muito profícua a produção, em disco, de composições de Natal não populares, pois o seu espaço comercial era reservado quase em exclusividade às composições eruditas, circunscritas aos temas clássicos germano/ anglo-saxónicos de Natal.
Para além de Nelinha Bigaíl, interpretam este disco o Coral Sacro de S. Tarcísio da Igreja da Lapa, dirigido pelo Padre Manuel de Lima, Júlio Guimarães e a já referida Orquestra e Coro de Resende Dias.

Escolhemos, de entre os quatro temas do disco “Noite Santa, Noite Feliz”, uma composição de carácter profano, uma vez que aborda não só o Natal, como também a viagem dos Reis Magos na sua jornada até à gruta de Belém, sendo de destacar a particularidade de sobressair do arranjo instrumental o acordeão como instrumento solista.

Clique no Play para ouvir um excerto de "A caminho de Belém"

Lado A 1. Noite Santa, Noite Feliz (pelo Coral Sacro S. Tarcísio da Igreja da Lapa)
Lado A 2. Natal (Júlio Guimarães)
Lado B 1. A caminho de Belém (Nelinha Bigaíl e Coro e Orquestra de Resende Dias)
Lado B 2. Vamos ao presépio (pelo Coral Sacro S. Tarcísio da Igreja da Lapa)

Bocage - Sonetos Eróticos

2009-12-08T05:54:00.000-08:00

Não somos propriamente grandes entendidos em literatura. Todavia iremos fazer uma breve incursão por esses domínios, aliando o gosto pela poesia e pela música, acrescentando-lhe ainda um outro (picante) aperitivo: o erotismo. Se a literatura e a música, de uma forma ou outra, têm sido exploradas em Portugal desde (pelo menos) a época pré-medieval, o mesmo já não se poderá dizer do erotismo enquanto temática da literatura, e muito menos do trio “música, literatura e erotismo” combinadas entre si. É isso mesmo que hoje pretendemos abordar, trazendo à memoria os famosos sonetos eróticos de Bocage (1765-1805), precisamente através da sua reprodução em disco, na voz de Andrade e Silva (que curiosamente, num sentido diametralmente inverso, participou como declamador em vários discos de histórias infantis da editora Estúdio).
Para além de efémeras referências ao erotismo em algumas cantigas de escárnio e de maldizer, durante muitos anos o erotismo na literatura portuguesa foi conotado marcadamente pela Ilha dos Amores de Luís de Camões.
Já com Bocage, poeta nascido no contexto do pré-romântismo, imperou a sua apetência natural para a libertinagem e transgressão da moral e dos bons costumes padronizados da época. Para além do homem viajado que foi, tal como Camões, foi já nos últimos anos da sua curta vida, que os seus primeiros poemas começaram a ser publicados. Contudo, só cerca de 50 anos após a sua morte, é que foram publicadas as “Poesias Eróticas, Burlescas e Satyricas” atribuídas a Bocage, que devido ao seu conteúdo, muitas vezes para evitar a sua apreensão judicial, eram impressas e editadas de forma clandestina.

Felizmente, os tempos mudaram e o disco que hoje apresentamos “Bocage – Sonetos Eróticos” (Estúdio EEP 50269), não precisou de ser impresso clandestinamente, bem pelo contrário. Podemos dizer, sem outras intenções, que foi tudo feito às claras. Como é evidente, num disco desta natureza, os arranjos musicais não se querem muito produzidos, mas minimalistas, razão pela qual apenas uma ambiência preenchida por notas de piano, acompanha a declamação de Andrade e Silva.
Convidamos os nossos leitores a ouvirem um trecho deste disco, adiantando desde já que apresenta conteúdo sexualmente explícito, ultrapassando mesmo os domínios do mero erotismo…

Clique no Play para ouvir um excerto

Luiz Rego - Fernando Pessoa Bossa Nova

2009-12-08T05:36:00.000-08:00

Foi com grande prazer que, literalmente, resgatámos, salvando-o de um provável triste destino o disco que hoje apresentamos aos novos ouvintes. Trata-se de um single, de Luiz Rego, personagem quase esquecida do panorama musical português, provavelmente um dos portugueses emigrantes mais respeitados, nomeadamente em solo francês, onde há muitos anos se radicou.
Nascido em 1944, oriundo de uma família anti-salazarista, Luiz Rego deixa Lisboa em 1962, ainda com 17 anos de idade, para evitar um eminente recrutamento para o serviço militar em Angola, tendo chegado a França, onde executou toda a espécie de trabalhos: primeiramente ocupado numa fábrica, depois como ajudante de cozinha, fez de tudo um pouco, até finalmente encontrar, por mero acaso (como muitas coisas na vida) os músicos que iriam influenciar para sempre a sua entrada para o mundo artístico, nomeadamente o mundo do espectáculo e da representação. Por essa razão, é hoje conhecido em França como músico, actor (tendo contracenado, entre outros, com Gérard Depardieu) dramaturgo e, maioritariamente, conhecido por comediante.
Através da formação de Les Problems, grupo de rock de culto em França, o qual Luiz Rego ajudou a formar (enquanto baixista), deu o salto para o mundo da canção e mais tarde da representação. Efectivamente, desfeito o grupo Les Problems, o mesmo deu origem a uma nova formação, Les Charlots, inicialmente um grupo de cómicos, adaptado mais tarde a formação de rock ao sabor da corrente ye ye e rockabilly.
Facto interessante é que, depois de Les Problemes se terem estreado na televisão francesa e do sucesso imediato que tiveram, quando o agrupamento se deslocou a Portugal pela primeira vez, Luiz Rego foi imediatamente detido e preso durante vários meses, por fuga ao serviço militar. Sendo, por isso, Luiz Rego, um dos poucos prisioneiros políticos portugueses a quem foi dedicado um título de uma canção, pelos outros elementos do grupo, intitulada "Ballade à Luis Rego, Prisonnier Politique", sendo quase certo que, Luiz Rego não terá participado na gravação desse E.P., lançado pela Etiqueta Vogue... precisamente por estar preso!

Facto menos conhecido é que, aproveitando o talento comprovado que lhe era reconhecido, Luiz Rego, mais tarde, (provavelmente paralelamente ao seu trabalho com a banda Les Charlots...), grava através da mesma etiqueta, um single em estéreo (não muito comum para a época), cantado em português, onde para além de musicar um poema de Fernando Pessoa (Quadras Soltas) e uma outra composição com letra de Maria Flávia (Amor novo), se apresenta com uma sonoridade totalmente surpreendente para a época (só mesmo comparável ao melhor do Quarteto 1111), principalmente neste último tema. Já o tema Quadras Soltas, é uma transformação radical dos versos de Pessoa, numa maravilhosa bossa nova, que sinceramente, não nos cansamos de escutar, tendo sido mesmo Luiz Rego, um dos primeiros cantores a musicar um tema de Fernando Pessoa.
Uma curiosidade, que desconhecíamos também, é o facto deste disco Vogue, de 1970, com a referência V.45.1730, ter também a sua versão portuguesa, edição Arnaldo Trindade & CA., Lda, com a referência VATS 3002 “Disques Vogue”, sendo esta versão portuguesa que apresentamos hoje aos nossos ouvintes.
Tanto quanto sabemos, este single contém as únicas canções gravadas em português por Luiz Rego, conhecendo apenas a gravação de mais um L.P. a solo, também editado pela Vogue, cujo ano de edição desconhecemos.

Clique no Play para ouvir um excerto de Quadras Soltas

O Carrilhão de Mafra - Lisboa Antiga

2009-11-21T13:57:00.000-08:00

Um dos monumentos portugueses mais conhecidos é o Convento de Mafra (mandado construir por D. João V. entre os anos de 1717 e 1737) não só pela sua imponente arquitectura mas também pelos sons que emanam do famoso carrilhão do convento de Mafra, cujo prestígio tem sido reconhecido além fronteiras ao longo dos séculos, tendo sido já diversos carrilhadores (o m.q. carrilhanores e carrilhanistas) nacionais e estrangeiros que têm tido a honra de executar as mais diversas composições musicais no Convento de Mafra, desde os temas mais eruditos aos mais populares.
De acordo com as informações na contra capa do disco que hoje apresentamos, as enormes torres do Convento de Mafra têm 68 metros de altura, dispostas com 57 sinos em cada uma das torres, num total de 114 sinos, sendo que os sinos das grandes horas pesam cerca de 11750 kg, com um diâmetro de boca de 2,53 metros e 2,4 metros de altura. O mais conhecido sino do Convento de Mafra é o chamado “Bizarro”, por ser o de maior ressonância, que se pode ouvir a 15 km de distância (!).Na altura desta gravação (1970) os suportes dos sinos que ficavam no pavimento inferior ao das horas encontravam-se bastante danificados. Felizmente, há alguns anos atrás, obras urgentes de restauro garantiram a preservação deste verdadeiro património sonoro nacional.
Os carrilhões são tocados com os pés e mãos por teclados semelhantes aos dos pianos e cilindros análogos aos das caixas de música. Neles se executam as mais complicadas peças, estando dispostos por meio de um mecanismo especial para tocar automaticamente a todas as horas, meias horas e quartos de hora. Actualmente, Francisco Gato é o mais antigo carrilhonista português, dedicando todo o seu tempo aos sinos da Torre Sul do Convento de Mafra, sendo também o responsável por muitos concertos de carrilhão que se realizam ainda hoje naquele espaço.
Neste interessante disco “Musica de Portugal – Carrilhão de Mafra”, o carrilhanor (tal como é descrito no disco) executa não temas associados à temática litúrgica (como é mais frequente) mas antes, temas do universo popular português, aliada a duas composições originais mas não menos conhecidas pelos portugueses. Assim, no total de seis temas executados por Jacques Lannoy (carrilhonista do Convento de Mafra desde 1965 a 1984) destacámos para apresentação desde E.P. uma das mais bonitas canções portuguesas de todos os tempos da autoria de Raúl Portela, “Lisboa Antiga”, a qual tem sido também, interpretada por dezenas de fadistas, cantores de musica ligeira, não só portugueses como também estrangeiros. No entanto, parece-nos interessante apresentar aos nossos leitores uma abordagem diferente de Lisboa Antiga, através da linguagem do carrilhão. Para o ouvinte mais atento, facilmente reconhecerá ao ouvir os primeiros segundos do trecho que aqui deixamos a belíssima melodia que preenche a riqueza de Lisboa Antiga.
Como mera curiosidade, não deixa de ser interessante o facto de a construção do Convento de Mafra ter sido fruto de uma promessa de D. João V, em virtude de ao fim de 3 anos de casamento ainda não ter sido agraciado com um herdeiro. Felizmente, para nós, D. José I deu à luz um ano depois da promessa feita, facto que o levou a erguer o Convento e a comprar os carrilhões para Mafra. Caso contrário, muito provavelmente não estaríamos hoje a ouvir neste espaço os sinos do convento de Mafra a tocarem.

Deniz Cintra - Balada dos Homens e Mulheres Sentados

2009-11-15T16:11:00.000-08:00

Falaremos hoje de Deniz Cintra, um artista, já falecido, a quem o povo português ainda não prestou a justa homenagem e que tantas vezes é esquecido, nomeadamente quando todos os anos, por altura do 25 de Abril, se trazem à memória os mesmos cantores de intervenção de sempre, os quais, como se sabe, optaram, na sua grande maioria pelo género balada, enquanto prenúncio de uma nova canção, introduzida por José Afonso. Infelizmente sobre Deniz Cintra, a informação é escassa ou nula, sabendo nós que terá gravado pelo menos mais 2 EP's, para além do que hoje apresentamos e que é irmão do actor e encenador Luís Miguel Cintra.
Felizmente, na contracapa do EP que resgatámos recentemente de uma loja de antiguidades, consta um texto de apresentação de Deniz Cintra escrito por Nuno Portas (adaptado de um depoimento publicado em “A Mosca” em 13 de Setembro de 1969), que pelo seu interesse e dada a nossa falta de informação sobre Deniz Cintra, passaremos a transcrever nos seus parágrafos essenciais:

“A balada, prenúncio de uma nova geração, não tem tido as mesmas condições de expressão de outras espécies de música dita ligeira mais ou menos comercial quer pelo desconforto temático que introduz, quer pela perturbação que poderia introduzir, quando atingida dimensão popular, nos interesses organizados da indústria e no clima passivo dos espectáculos musicais. Por este motivo interessa discuti-la – não na base das duas intenções mas antes nas potencialidades de comunicação-participação, ou de outro modo, na força que contenha ou possa desenvolver para a criação de um espaço cultural de gente nova acordada - em ritmo-comum. Daí a dívida que temos pelo arranque dado por um José Afonso ou um Adriano Correia de Oliveira (...)

Na nova canção (balada será termo demasiado particular de um género demasiado revivalista) o interprete é a chave do elemento significante ao mesmo nível das palavras e do tema musical. A sua forma de cantar é já em si mesma parte decisiva da mensagem: a que nos permite perceber a autenticidade, o inconfundível. Por isso senti na força irresistível vocal do Deniz Cintra, quando o ouvi ao vivo, potencialidades para romper com a relativa passividade, talvez de ilustradores de poema, que me parece dominar na actual fase desta forma de comunicação, a que atribui uma importância cultural própria para além de uma intenção de alargamento do consumo da poesia-escrita que me parece bem secundária e mesmo esteticamente equívoca. O suporte poético usado (cantado) na nova canção não pode senão sofrer nela uma metamorfose, não pode senão ser traído, em nome de outra vontade e de outra forma e de outro tempo de comunicar. É a incessante re-descoberta da comunicação colectiva, feliz, que a todos importa.”

Fica então hoje, um pequeno relato de Deniz Cintra, conforme o texto citado anunciava, um cantor promissor na renovação da balada em Portugal, tal como Dylan e Baez o foram ao mesmo tempo, cuja voz sentida, profunda e melancólica, a espaços nos conduz ao timbre de um José Almada, outro cantor também relativamente esquecido dos portugueses.

Clique no Play para ouvir um excerto de "Balada dos Homens e Mulheres Sentados"

Deniz Cintra
Lado 1. Manuel (D. Cintra) Pobre Velho (D. Cintra)
Lado 2. Balada dos Homens e Mulheres Sentados (D. Cintra)/ Maria do Ó (D. Cintra)
Philips 431 932 PE

Uma Noite na Nau Catrineta

2009-10-27T13:24:00.000-07:00

Não iremos na mensagem de hoje dissertar sobre a origem do fado e da sua popularização desde os finais do séc. XIX até às mais recentes fusões com outras correntes musicais. Iremos sim, convidar os leitores mais afortunados pela longevidade, com a nostalgia inerente ao próprio fado, a recuar aos tempos em que se deliciavam na Nau Catrineta, restaurante típico lisboeta que tinha a particularidade de englobar também um casa de fados.
Combinar num mesmo local uma casa de fados e um restaurante, não era propriamente raro em Lisboa, bem pelo contrário; eram inúmeras as populares casas de fado com estas características (tal como hoje, embora em menor escala, assim acontece). No entanto, destacamos hoje a Nau Catrineta, por se tratar de uma casa de fados que hoje já não existe, uma vez que, segundo o que conseguimos apurar, o prédio onde a mesma imperou foi demolido nos anos 90. (Aliás, mesmo antes de ter mudado o nome para “O Poeta”, esta típica casa de fados já havia estado encerrada durante largos anos). Através do interessante arquivo sonoro que nos chegou às mãos, pretendemos realçar a importância que outrora durante largas décadas a Nau Catrineta teve no circuito fadista de Lisboa. Peculiarmente decorada, fazendo recordar, como o seu nome assim o indica, o interior de uma nau, esta casa de fados invocava não só a vida de marinheiros, como também, devido à sua decoração, o quotidiano da vida dos bairros alfacinhas. Foram centenas de fadistas, amadores ou profissionais, que por lá passaram e que para a sua nostalgia contribuíram, entre eles Manuel Fernandes, Natália dos Anjos, Maria José da Guia, Alice Maria da Conceição, Dinóra Carmen, o guitarrista Adelino dos Santos e violeiro Santos Moreira, que se juntaram um noite na Nau Catrineta, para dar origem a um disco gravado ao vivo, provavelmente o primeiro de uma série de 3 E.P.S.(?) que hoje resgatamos da poeira do vinil para imortalizar a Nau Catrineta.

Clique no Play para ouvir um excerto do disco

Lado A

1.Variações sobre o fado antigo (Variações/ Arr. Adelino dos Santos)
2. Relembrando o passado (José Marques/ Carlos Conde) - Por Manuel Fernandes
Lado B
1. Desgarrada (Fado Mouraria/Popular) - Por Manuel Fernandes, Natália dos Anjos,Maria José da Guia, Alice Maria da Conceição e Dinora Carmen
2. Pobre Chita - Fado Marcha (R. Ferrão-R. Portela/G. de Oliveira) - Por Natália dos Anjos
Acompanhados por Adelino Santos (guitarra) e Santos Moreira (viola)

Alvorada AEP 60501

(OU) TRAVOLTA NA MÚSICA PORTUGUESA

2009-10-26T17:39:00.000-07:00

Em 1977, estreou nos cinemas um dos filmes que mais marcou a década de 70 e que contribuiu para a massificação do disco-sound como género musical dominante nas pintas de dança, renegando para segundo plano o rock & roll, tal como antes este renegara para segundo plano o swing e a suas Big bands. Falamos obviamente de Saturday Night Fever (“A febre da sábado à noite”), dirigido por John Badham e que consagrou John Travolta a nível mundial, através da sua interpretação da personagem Tony Manera, jovem trabalhador numa loja de tintas que, aos fins de semana saía do anonimato, fazendo sucesso junto das pistas de dança.
Ora, para muitos cépticos seria impossivel imaginar que também o Zé Povinho, personificando a labuta semanal do povo português, poderia também com o seu airoso perfil campestre fazer sucesso nas pistas de dança portuguesas, tal como assim o fez Travolta em "Saturday Night Fever", ao ponto de Zé Povinho poder ser mesmo apelidado de “Zé Travolta”. Contudo, o impossível, principalmente na música, é palavra desconhecida. Principalmente para Shegundo Galarza e sua equipa que, dois anos após Saturday Night Fever, não hesitou em aliar o novo som mundial ao nosso tradicional som das Marchas Populares, tendo o resultado sido um interessante álbum de “disco-marcha”, tão tipicamente português.

Vertido em dois longos medleys que preenchem uma faixa de cada um dos lados do disco, “(Ou)Travolta na Música Portuguesa”, faz jus ao título de capa, na medida em que Shegundo Galarza com a sua versatilidade e rigor, conseguiu dar uma “outra volta” a temas popularizados nas Marchas de Lisboa, transportando-os directamente para as pistas de dança. Aliás, tal não terá sido por mero acaso, visto que, mesmo tecnicamente a marcha popular e o disco sound são ritmicamente similares.
Acresce ainda destacar o interessante grafismo presente na capa do disco, com um Zé-Povinho, com calças e botas de dança encarnado Travolta, ao mesmo tempo que da cintura para cima mantêm o figurino tradicional português.

Clique no Play para ouvir um excerto do disco

Boom 5004 (72133)- Edição Especial para os sócios do Círculo de Leitores.

Lado A :Lá vai Lisboa/ Marcha do Centenário/Lisboa dos Milagres/Cheira a Lisboa/Lisboa dos Manjericos
Lado B :S. João Bonito/ Cantiga da Rua/Grande Marcha de Lisboa/ Lisboa à noite/Marcha do bairro alto

Shegundo Galarza - Arranjos e direcção musical, teclas, efeitos
José Nabo – Baixo
João Henrique – Produção, viola, efeitos
Ramon Galarza – Bateria/percussão/efeitos
Metais : Constantino Jesus, António Gomes, Idalino Roque, Gilberto Mota
Coros : João Henrique, Paulo de Carvalho, Rosa do Canto, Dulce Neves e Joana.
Som: José Fortes
Gravado na Rádio Triunfo em 8 pistas (dolbizadas)
Capa : Vitor Mesquita

Jorge Pina e Gervásio Pina

2009-09-28T05:15:00.000-07:00

Existe actualmente um agrupamento musical denominado “Pina Trio”, composto por três músicos experientes e com créditos já firmados na música portuguesa, do qual fazem parte os irmãos Gervásio e Jorge Pina e ainda Abílio Marques, os quais tocam essencialmente em bares, cafés-teatro e pequenas salas de espectáculo, com um reportório composto, sobretudo, por versões de temas pop rock. Partilham todos de uma mesma paixão: o rock & roll e suas derivações. Não admira, portanto, que Jorge Pina e Gervásio Pina, tenham sido também levados pela torrente do boom do rock português e, consequentemente se tenham aventurado pelos seus meandros. Estávamos de facto, em 1979, meses antes de “Ar de rock” de Rui Veloso e já os irmãos Pina tinham larga experiência no meio musical, pertencendo ao grupo “Vector”. Mais tarde, uma nova formação sob a égide de Gervásio Pina foi formada, denominada Malaposta, inserida no corrente de rock dos anos 80, cuja vida discográfica foi efémera, uma vez que se quedaram apenas pelo lançamento de um single, antes da falência da editora que os apoiara de início.

É o próprio testemunho de um dos elementos da formação da banda que nos relata essa efémera experiência “Os Malaposta surgiram na altura do chamado boom do rock Português, mas não num contexto de aproveitamento da onda do momento... Com efeito, já trabalhávamos juntos há alguns anos, procurando encaixar temas originais ente os covers que tínhamos que tocar nas festas de finalistas por todo o Norte do país.O boom serviu apenas para que um grupo de província pudesse mostar aquilo que fazia... Eram outros tempos, em que Lamego e Lisboa estavam separados por mais de 5 horas distribuídas por 400 longos kms de estradas perigosas e cheias de tráfego, em que não havia net, nem computadores, nem telemóveis, e em que a interioridade era uma triste realidade...E foi essa interioridade que, aliada à falência da editora que nos apoiou de início, acabou por definir precocemente o fim de uma banda que tinha algum talento e originalidade.” (Testemunho de Gervásio Pina, retirado do blogue “rockemportugal.blogspot.com”)

Facto menos conhecido, porém, foi que, paralelamente ao projecto Vector, os irmãos Pina, concorreram ao 1.º Festival da Canção de Lamego com duas canções, “Canção de Estrilhar” e Invasão”, classificando-se, respectivamente, em 2.º e 4.º lugar. Tais canções deram origem a um interessante single, que recuperamos hoje da obscuridade. Recorrendo a um soft rock de escárnio e de maldizer Gervásio Pina com “Canção de Estrilhar” transporta o ouvinte ao imaginário bem real do mundo das aparências, das senhoras bem vestidas e do “corte e costura” dos encontros sociais, enquanto que o lado B do single já Jorge Pina canta a preocupação deste duo pela realidade da cidade e a destruição da humanidade pelos tempos modernos.
Grande parte da informação recolhida sobre esta formação foi retirado do site oficial do Pina Trio (pinatrio.douronet.com) sendo da nossa parte totalmente desconhecido quais os outros elementos que participaram na gravação destes dois temas, cujos excertos partilhamos hoje com os nossos leitores.

Clique no Play para ouvir um excerto do disco

Lado A -Canção de Estrilhar (Gervásio A. Pina)
Lado B -Invasão (João Simões)
Percatex SIN -08
Ano: 1979

Carlos Filipe Rei - Palavras Proibidas até 25 de Abril

2009-09-27T12:06:00.000-07:00

Cabe-nos hoje apresentar mais um cantor cujo futuro, em 1974, se augurava bastante promissor, pelo menos a julgar pela indiscutível qualidade das suas composições. Falamos de Carlos Filipe Rei, um artista cujas referências biográficas escasseiam, sendo que a pouca informação que dispomos sobre este cantor se resume apenas às breves notas de apresentação escritas, na contracapa do seu disco de estreia, por José Vicente, letrista de todas as canções que compõem o E.P. “Palavras proibidas até 25 de Abril”. Por uma questão de fidelidade ao texto original de José Vicente e para melhor elucidar os nossos leitores sobre o percurso musical de Carlos Filipe Rei até 1974, transcrevemos na integra o texto de apresentação de “Palavras Proibidas até 25 de Abril”:

“Balada para Olimpo” e “Balada Imperfeita” não são propriamente baladas. São títulos de subterfúgio... Por alturas de 1969-70 imperava o estilo baladeiro, e o autor quis, dentro daquele estilo, e de combinado com Carlos Filipe Rei, dar-lhes uma característica musical de forma a fugir ao timbre então em voga. Estes trabalhos foram realizados em 1970. Mas só em Fevereiro de ano feliz de 1974 foram aceites pela etiqueta Alvorada para a voz de Carlos Filipe Rei. Era mais uma aventura face à censura da época... E acontecesse o que acontecesse a Alvorada encarregou o maestro Correia Martins das orquestrações. A 18 de Abril Carlos Filipe Rei não gravara a voz por estar nervoso; admite-se, pois é este o seu primeiro disco. Logo a seguir acontece o glorioso 25 de Abril! Assim, os versos sofreram algumas alterações nas imagens verbais de passado e presente. José Vicente”

Apesar de se perspectivar uma série de futuros discos, a grande verdade é que estas quatro canções acabaram por ser o único legado de Carlos Filipe Rei, cujo percurso posterior desconhecemos por completo, sabendo, no entanto, que se tratou do único disco gravado por este artista. Para a história da música portuguesa de intervenção, ficou, portanto, um disco musicalmente distanciado do género baladeiro da altura, enraizado numa produção mais profunda, orquestral e com arranjos rítmicos com reminiscências directas em géneros musicais habitualmente de fora dos padrões normais do canto de intervenção do pré 25 de Abril.

Clique no Play para ouvir um excerto do disco

Lado A 1 - Romance sem resumo (Carlos Filipe Rei- José Vicente)
Lado A 2 - Balada para Olimpo (Carlos Filipe Rei- José Vicente)
Lado B 1- Amor canta Alegria (Luciano-Vargues- José Vicente)
Lado B 2 -Balada Imperfeita (Carlos Filipe Rei – José Vicente)
Alvorada EP-60-1521

Paco Bandeira - Hip Hip / Rumba Paca

2009-09-20T16:39:00.000-07:00

Hoje, invertemos um pouco o curso normal do nosso blogue ao apelarmos a um músico que toda a gente conhece, ao contrário daqueles que até agora temos vindo a apresentar. Falamos de Paco Bandeira, um dos artistas mais conhecidos da musica ligeira portuguesa, proveniente da região alentejana de Elvas. Facto pouco conhecido é o verdadeiro nome de Paco Bandeira, Francisco Veredas Bandeiras, que viria a adoptar o nome artístico de Paco Bandeira, por nítida influência espanhola. De facto, devido à proximidade de Elvas com a fronteira e com os imensos amigos espanhóis que lhe chamavam “Paco” (diminutivo de Francisco em castelhano) e “Bandera”, foi esse o nome artístico com que se apresentou em palco no início da sua carreira e também o que, justamente, adoptou aquando da gravação do seu primeiro disco.

Durante quase toda a sua carreira, as canções de Paco Bandeira ficaram associadas, de uma maneira ou de outra, às características da sua região natal, tais como as planícies e as searas, a interioridade da província portuguesa, com especial relevo para a vida no campo. Paco Bandeira, teve também imediatamente no período pós-25 de Abril, um contributo importante no canto de intervenção de cariz mais político, dando particular destaque à emigração, ao contrabando, às populações itinerantes de ciganos e à guerra colonial em África.

No entanto, para quem pense a música de Paco Bandeira se resumiu à musica ligeira, com hinos de cariz mais sentimental e popular, trazemos hoje ao bairro do Vinil um pequeno achado, datado de 1973, no qual Paco Bandeira se nos apresenta de uma forma totalmente diferente daquela que tem habituado a maioria dos portugueses. O disco chama-se “Canto para ti”, um E.P. que contempla 4 temas todos eles diferentes entre si, sendo difícil até escolher o que mais se destaca. Contudo, ninguém poderá ficar indiferente à canção “Hip-Hip”, um registo com uma componente marcadamente rock, com um refrão alegre, numa linguagem quase onomatopaica para fazer esquecer as “guerras de cor, do ódio ou rancor” que Paco Bandeira recusa peremptoriamente nessa canção.

No outro lado do disco, como se um outro disco totalmente diferente se tratasse, já Paco Bandeira, influenciado pelas suas quase raízes espanholas, canta na língua castelhana, explicando a origem do seu nome artístico (a mi me llamam Paco), interpretando uma fantástica "Rumba Paca", quase a rondar a perfeição absoluta desse estilo de canto. Para quem nunca ouviu estes registos musicais, certamente ficará surpreendido, aliás, bastante surpreendido com a versatilidade inesperada de Paco Bandeira, cantor que ficámos a conhecer ao longo destes anos pela constância do mesmo género musical com que se tem apresentado. Da nossa parte, ficámos também surpreendidos, pelo que é com grande alegria que partilhamos um excerto destes dois temas.

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Fernando Ribeiro

2009-09-12T16:05:00.003-07:00

Shegundo Galarza foi, sem sombra de dúvida, um dos músicos e maestros mais talentosos que alguma vez passou por Portugal. Radicado em Portugal, desde a década de 40, durante mais de seis décadas, lançou um infindável número de discos, ora em nome próprio, ora como arranjador de dezenas de músicos com os quais trabalhou, passando por todos géneros musicais, desde o clássico, o popular ao jazz. Ficaram célebres os famosos discos de Shegundo Galarza para a etiqueta “Estoril”, bem como outros tantos, que, mais à frente, na devida altura, abordaremos. Dos músicos com os quais trabalhou, uns são sobejamente conhecidos ( tais como Amália Rodrigues, Tony de Matos, Maria da Fé ou José Cid) e outros, certamente menos conhecidos e que, nos tempos de hoje, deixaram de ter protagonismo e, quiçá, ficaram para sempre perdidos no esquecimento.
Cabe-nos hoje recuar um pouco no tempo, e no panorama musical português dos anos 60 e 70, altura em que a panóplia de estilos musicais florescia sem quaisquer reservas (embora com privilégio para o fado), para encontrarmos imensos discos de acordeonistas que, de uma forma mais ou menos conseguida (tais como Eugenia Lima, Filipe de Brito, Isidro Baptista, Tino Costa, Victor José, entre outros) atingiram algum sucesso nos meios mais populares e até a nivel de todo o território nacional.

Um dos acordeonistas que, infelizmente, não é conhecido (nem reconhecido) na actualidade é Fernando Martinho Cordeiro Ribeiro, mais conhecido pelo nome abreviado de Fernando Ribeiro que, para além de executante do acordeão, era também compositor e orquestrador, sendo um acordeonista virtuoso, que teve a honra, de tocar acompanhado pela secção de violinos dirigida pelo também virtuoso Shegundo Galarza. Através do disco que hoje apresentamos, assistimos a um encontro entre a música de raiz popular protagonizado por Fernando Ribeiro e a dimensão orquestral da música erudita. Dois estilos mas um resultado comum: Portugal popular elevado à grandeza orquestral.

Pretendemos de forma muito simples relembrar, por um lado, Shegundo Galarza (que toda a gente conhece) e, por outro lado, trazer à memória as nossas raízes populares interpretadas por Fernando Ribeiro (hoje um perfeito desconhecido). Aliás, não só se invocam as memórias das nossas raízes, através do som popular do acordeão, como também os próprios títulos das canções espelham aquilo que hoje se vai perdendo cada vez mais, tais como as desgarradas, os viras, as brincadeiras entre parreiras, os despiques algarvios, entre muitos outros...pesar do perfeito desconhecimento do virtuosismo das gravações de Fernando Ribeiro, este acordeonista gravou, desde 1946 para a frente, inúmeros discos, para diversas editoras nacionais e estrangeiras ( como por exemplo, a Rapsódia, Estúdio, Belter, Alvorada ou Parlophone), acompanhado na grande maioria das vezes pela sua esposa, Fernanda Guerra, também acordeonista que conheçou em 1948 e com a qual viria a casar em 1955. Curiosamente, foi a partir do casamento com Fernanda Guerra que o seu sucesso aumentou em grande parte devido ao Duo que entretanto criara com a sua esposa.

Principalmente desde a década de 60 para a frente para além das suas actuações a solo, acompanhou dezenas de artistas portugueses bem conhecidos, tais como Tony de Matos, Francisco José, Carlos do Carmo, entre muitos outros. O seu sucesso levou-o a conhecer meio mundo, tendo actuado em quase toda a Europa, E.U.A. Austrália, sem olvidarmos as nossas então províncias ultramarinas. Compôs centenas de obras para acordeão ( desde o popular ao erudito) e para teatro de revista , onde, alías, trabalhou entre 1987 e 1996, compositor , arranjador e ensaiador de actores no Teatro Maria Vitória, findando o duo que até então manteve com a sua esposa.

Mais um disco e um artista que aqui nos apraz, orgulhosamente, divulgar para que a sua memória musical perdure, pelo menos nos recônditos mundos da Internet. Qualquer informação adicional sobre este músico, pois a nossa resume-se ao disco que em questão, será sempre bem vinda, para aos poucos construirmos uma verdadeiro enciclopédia de ilustres desconhecidos portugueses.

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Maria Albina - O Cuquinho da Ribeira

2009-09-12T15:50:00.006-07:00

Num dia em que se realiza hoje, pela terceira vez consecutiva em Portugal, a edição do Red Bull Air Race, bem no centro da zona ribeirinha do Porto, decidimos também fazer uma viagem à antiga ribeira, onde os costumes e as modas há cerca de 40 anos atrás eram certamente outros. Neste percurso encontrámos a cantora Maria Albina, acompanhada pelo Conjunto Típico de Resende Dias, que através da sua jovial voz presta uma homenagem ao quotidiano da vida à beira rio na cidade do Invicta. Naquele tempo, não só as vivências eram outras, como também a própria zona ribeirinha do Porto apresentava uma vida totalmente diferente da actual; se hoje a ribeira é, acima de tudo, um pólo de atracção turística, já o mesmo não se pode dizer em relação à altura da gravação deste disco: sem necessitarmos de recuarmos ao tempo de Douro Praia Fluvial de Manuel de Oliveira, basta-nos escutar este disco para percebermos que nessa altura era a ribeira que fazia girar a vida da cidade do Porto.

Ao longo de todo este disco, encontramos sentidas referências ao bairro da Sé de Porto e suas vielas, aos eternos balões de S. João em cada janela bem como aos saudosos passeios à beira rio. Curiosamente, é num desses passeios que Maria Arminda, certamente se terá inspirado para escrever a letra de “Cuquinho da Ribeira”, que Maria Albina aqui interpreta, espelhando as preocupações das jovens solteiras da época e do seu receio em ficarem solteiras, em contraposição com os tempos de hoje, onde os casamentos acontecem cada vez mais tarde. Da nossa parte, o que nos chamou mais a atenção foi a capa do disco, na qual surge Maria Albina, que gravou este disco com apenas 13 anos e que na canção “O Cuquinho da Ribeira”, canta os seguintes versos “Fui um dia passear para os lados da ribeira…/Oh Cuquinho da Ribeira diz-me qual é a maneira de uma marido arranjar/ Sou nova e sou solteira, haverá algum que queira comigo uma dia casar / Oh Cuquinho da Ribeira, quantos anos de solteira tu ainda me ouvirás dar…Fico a triste a meditar... chego até a imaginar que irei ficar solteira”.
Ora, atendendo às novas preocupações ( e aspirações ) da figura feminina no mundo moderno, seria impensável, nos dias de hoje, uma menina com a idade de Maria Albina, pensar sequer em interpretar de forma tão honesta uma canção com os versos que acima reproduzímos, inspirados numa história popular ( no cucu da ribeira que dizia, consoante, o número de vezes que cantava, quantos anos uma menina iria ficar solteira ).

Maria Albina em 1965

Quanto à menina Maria Albina, chegaram-nos recentemente preciosas informações a respeito da sua curta carreira, o que prontamente passamos para a transmitir aos nossos leitores. Natural de Vizela, foi alí que cantou num espectáculo quando tinha apenas 11 anos de idade. Segundo consta, o êxito foi tal, que em Outubro desse mesmo ano foi eleita no Teatro Circo de Braga, "Rainha das Cantadeiras do Minho". Em 1963, cantou no Palácio dos Desportos no Porto, na festa do Campeão Português, que era um programa em que figuravam os grandes nomes da rádio e da TV. Em 1965, confessava à Crónica Feminina que o seu sonho era cantar na TV. Sobre a sua possível aparição na TV não temos qualquer confirmação. Sabemos apenas, conforme nos referiu " fonte" próxima da artista que gravou apenas 3 discos para a etiqueta Rapsódia, do Porto, sendo o que hoje apresentamos o seu disco de estreia, tendo depois abandonado a vida artística.

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José Sampaio - Adeus Guiné - A Mulher Portuguesa

2009-09-06T13:17:00.000-07:00

José Sampaio. Nome desconhecido do actual universo musical português tem hoje, contudo, mais uma oportunidade de sobressair das sombras e da poeira do esquecimento, através de uma entrada directa para o nosso bairro do vinil. No entanto, cremos que tal oportunidade não lhe irá trazer o sucesso pretendido, isto porque, conforme analisaremos, as temáticas das canções presentes neste disco há muito que não transparecem a realidade portuguesa.
Do pouco que conseguimos apurar, pela análise da capa e da contracapa do disco que nos chegou às mãos, só podemos concluir tratar-se de um cantor emigrado em França (a julgar pela editora francesa Serenata que distribuía os discos, muito provavelmente para a comunidade portuguesa aí radicada), que terá gravado pelo menos mais de 12 discos , para além deste E.P. que agora se comenta (com acompanhamento musical por Jorge Fontes e Os Alegrias)
O que nos chamou a atenção deste cantor , não foi propriamente a sua voz rude de cantor campestre, nem o enquadramento sonoro que reveste as canções, uma vez que estamos apenas perante mais um cantor, entre centenas de outros, do folclore português. O que nos chamou a atenção foi, bem pelo contrário, os títulos das duas faixas que abrem cada uma das faces do vinil: “Adeus Guiné” e “A Mulher Portuguesa”, títulos que à primeira vista nos podem levar a pensar estarmos, por um lado, perante uma canção de intervenção contra a guerra colonial e, por outro lado, uma canção de homenagem de homenagem à mulher lusitana.

Se é verdade que elaboramos este texto passados garantidamente mais de 30 anos sobre a gravação deste disco, não podemos deixar de reparar no contracenso, à luz dos dias de hoje, entre os títulos das canções e as respectivas letras. De facto, “Adeus Guiné” nada mais é do que um apelo à guerra, sob o pretexto de defesa daquilo que na altura era um território português. Aliás, os versos explícitos da sua autoria, tendo como pano de fundo efeitos sonoros de metralhadoras, são conclusivos : “Só esta pequena lembrança dos emigrantes de França, estamos prontos a lutar, amor cego e imortal é nosso dever a Guiné defender, será sempre Portugal”. Sem dúvida que, se atendermos ao facto, de nessa altura, serem mais do que recorrentes os cânticos anti-guerra e anti- regime, corporizados no chamado canto de intervenção, este disco só poderá ser visto como a metáfora do outro lado da barricada, ou seja, uma espécie de canto de anti-intervenção.
Da mesma forma, ao mesmo tempo que o cântico de apelo à libertação da condição social das mulheres se fazia sentir por toda a Europa e em especial em Portugal (entre outros, por José Barata Moura), José Sampaio através de “A mulher portuguesa”, apresenta-nos, mais do que a sua visão, a própria visão e concepção da condição da mulher durante o Estado Novo. Sem dúvida, que José Sampaio elogia a mulher portuguesa, não a tratando mal, bem pelo contrário, até admite que “se não fossem as mulheres, o homem não tinha razão”. No entanto, uma análise sociológica mais atenta da letra desta canção, leva-nos à conclusão de estarmos perante o contracenso do próprio elogio, uma vez que ao mesmo tempo que se destacam as qualidades de “boa companheira e mulher trabalhadeira”, simultaneamente, se está a dar enfâse, na mesma canção, ao papel dominante do homem, sempre triunfante fora do lar, ao contrário da mulher reduzida a à condição de dona de casa. Versos mais explícitos do que estes são impossíveis de encontrar nos tempos modernos : “Português emigrante, homem triunfante da mulher portuguesa, a sua mulher poupada fica sempre em casa e não sente tristeza”. Ora, quem é a mulher portuguesa que ao ouvir esta canção não se encherá de orgulho e emoção, por este tão rasgado elogio ?

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O Carlos dos Jornais

2009-08-22T14:09:00.000-07:00

Iniciamos com uma alusão a uma figura peculiar de Lisboa, que durante algumas décadas marcou o quotidiano de todos aqueles que passavam pela esquina da Rua 1.º de Dezembro com a Calçada do Carmo: “Carlos dos Jornais”, (cujo nome completo desconhecemos), que conforme o nome indica, vendia jornais e revistas nessa esquina. Mais tarde, segundo conseguimos apurar, terá mesmo aberto um quiosque também em Lisboa, embora desconheçamos se o terá feito na mesma rua. Segundo informações que recolhemos nesta aldeia global, que é a Internet, Carlos dos Jornais, era um homem brincalhão, muito correcto e respeitador. Teria sido apenas mais um comum mortal, se se tivesse apenas limitado pura e simplesmente à venda de jornais e revistas. No entanto, a peculiaridade da sua figura consistia na sua facilidade em dialogar em verso como os seus clientes, através de quadras todas elas improvisadas na hora, muitas vezes até de forma de desgarrada com quem se atrevia a responder às suas quadras.
O que muitos não saberão, tal como nós não o sabíamos até há alguns meses atrás, é que Carlos dos Jornais, devido à sua popularidade a afabilidade, foi convidado para gravar um disco com algumas das suas quadras, certamente preparadas para o efeito. Como informação relativa aos créditos deste registo fonográfico, temos apenas o prefácio constante da contracapa do E.P., escrito pelo próprio “artista”, que, pela sua importância, aqui transcrevemos na íntegra:
“Em primeiro lugar, uma pequenina introdução para a explicação da gravação deste disco. Riso & Ritmo convidou-me, eu acedi, e dentro da minha modesta maneira de ser, aqui vão algumas quadras a diversas pessoas, as quais têm o fim de não ferir, e até, gratamente em agradecer.
Se tiver êxito, outras pessoas serão focadas num próximo disco, mas sempre com a correcção que me é peculiar. Portanto, a todos os meus amigos um muito obrigado e vou começar. - Carlos dos Jornais”
Em termos de registo fonográfico, trata-se, sem dúvida de uma interessante recolha, não só da voz e quadras de Carlos dos Jornais, como também da própria ambiência de Lisboa à época da gravação desde disco, que podemos situar, com elevado grau de probabilidade, em 1970. Nele encontramos não só o som das guitarras portuguesas, como também o próprio registo dos transeuntes a comprar jornais ao intérprete do disco e de toda a azáfama matinal típica de uma grande cidade como Lisboa. Os temas abordados por Carlos dos Jornais retratam o Portugal da época, com claras alusões à promessa do fim das barracas em Lisboa, ao insucesso do treinador Meirim (do Belenenses) e, quase totalidade da face B do disco, uma homenagem aos nossos artistas, tais como Hermínia Silva, Tonicha e Raul Solnado. Aliás, em relação a este último Carlos dos Jornais, é peremptório ao invocar a tristeza geral do povo português pelo fim do afamado programa de entretenimento “Zip-Zip”, ao qual dedica a seguinte quadra: “...Ao Solnado, bom rapaz/Oiça bem a minha voz/ Não sabe a falta que faz/ O Zip para todos nós/ Mesmo depois da canseira/ era esta a discussão/ estamos na segunda-feira/ à Zip na televisão/ Era uma noite de arrasa/ dizia o povo, acho bem/ Estava tudo em casa/ Na rua quase ninguém.”
Desconhecemos se Carlos dos Jornais terá sido convidado a gravar mais algum disco. Uma coisa podemos, no entanto, conjecturar: terá Carlos dos Jornais vendido os seus próprios discos no seu quiosque? Provavelmente sim.

Oiça um pouco do disco, clicando no Play

No Bairro do Vinil

2009-08-16T10:09:00.000-07:00

Com esta nova página na Internet, iniciamos hoje um projecto que (esperemos nós) não venha a ter os dias contados logo à partida. Apesar de o título deste blogue eventualmente poder parecer sugerir mais um espaço em que os seus autores se limitarão a colocar reproduções de capas de discos de vinil sem nada de consequente, a verdade é que pretendemos algo de diferente. Primeiro: apelaremos à nossa assumida ignorância ao nos atrevermos a querer dissertar sobre artistas que são hoje totalmente desconhecidos pela grande maioria dos portugueses e que, nem nós próprios conhecemos e sobre os quais não existe muita informação. Em segundo lugar, para que um disco possa ter honras de ser objecto de comentário neste blog, terá que obedecer a três requisitos: versar sobre música portuguesa; ter sido comprado por preço inferior a 3 € ou então oferecido; e, de preferência, tratar-se de um disco que ninguém quer, ou melhor, que ninguém quis, pois geralmente serão discos adquiridos em feiras de velharias (muitos deles completamente desprezados) os que privilegiaremos no nosso blogue. Em terceiro, e para finalizar as nossas intenções, pretendemos, sempre que for possível, dar a conhecer aos nossos leitores, discos que, de alguma maneira, retratem o nosso antigo quotidiano, apelando aos hábitos e costumes que se foram perdendo mas cujas memórias ainda resistem nestes velhos vinis que, aos poucos, vamos salvando do esquecimento.
Por se tratar de um salto no escuro, queremos também convidar todos aqueles que de alguma maneira queiram contribuir para o não esquecimento destes artistas, que nos enviem as suas correcções e, sobretudo, informações que disponham ou que entretanto obtenham sobre esses artistas, uma vez que este blogue será aberto a todos aqueles que queiram participar. Todos os comentários dos nossos leitores que contenham informação por nós desconhecida, serão automaticamente adicionados à mensagem referente aquele disco ou artista. Desta forma, assumimos um difícil desafio de construir aos poucos uma memória viva daqueles que, de uma ou outra forma, já não podem expressar a sua voz, pelo facto de as suas canções terem desaparecido das luzes da ribalta.